ctividades para informática 3B
https://drive.google.com/open?id=0BzU4IJfoIhZAV29EcVduUHIzWE0
Características y fuentes de la innovación técnica: contextos de uso y de reproducción.
La información, sus fuentes y
los ciclos para la innovación técnica.
Los contextos de uso y
reproducción de sistemas de informática como fuente de información para la
innovación técnica.
El usuario, el técnico y el
uso de catálogos como fuente de información para el mejoramiento de un producto
de la informática.
Inicio
Investigar cuáles son las recientes innovaciones
técnicas y los artefactos que se utilizan en la reproducción técnica como parte
del cambio técnico.
Actividades para
artes 3A y 3B
Leer la biografía
de Salvador Dali y realiza una reseña en
forma de historieta, posteriormente elegir alguna de sus obras y realizar la en
papel cascaron con ayuda de la plastilina, en la siguiente linea puedes consultar la biografia.
https://drive.google.com/open?id=0BzU4IJfoIhZAV29EcVduUHIzWE0
Actividades
para Diseño arquitectónico
Realizar en las hojas blancas los diferentes tipos de
líneas en diferentes gruesos.
Ciencias 2B
Repasa los conceptos realiza ejemplos con dibujos:
Movimiento,
Trayectoria
Distancia
Punto de referencia
De acuerdo al mapa elige tres puntos de tu interés,
partiendo de la entrada y determina la distancia, y la trayectoria.
Si están en el punto 14 y deseas llegar a el punto
29 cuál es la trayectoria y el punto de referencia, dibuja tu desplazamiento.
Resolución de problemas de velocidad y rapidez
Dos policías
de caminos están separados por una distancia de 70km/h. Pasa un coche por la
posición del primero y este le avisa a su compañero por radio. Media hora después, el coche pasa
frente al segundo compañero. Si el límite de velocidad es de 110 km/h ¿El auto a superado el límite de velocidad?
Notaran que solo hay información para calcular la rapidez durante esos 30
minutos y no se sabe la rapidez encada instante del movimiento ¿cómo se supone que funcionan las cámara que
toman fotografías que sirven de evidencia para multar a quienes viajan a exceso
de velocidad?
Artes
Consulta también las biografías de: realiza un mapa conceptual de la biografía que incluya por lo menos 3 de sus principales obras, e identifica en que museo se encuentran actualmente, técnica utilizada y nombre de la obra.
Ciencias repaso tema sonido
se caracteriza por
intensidad
tono timbre
depende de la
actitud depende de la depende de los
frecuencia armonicos
intensidad
dibuja la onda de un sonido intenso
dibuja la onda de un sonido débil
tono
dibuja la onda de un sonido agudo
dibuja la onda de un sonido grave
timbre
dibuja una onda del mismo timbre
dibuja una onda de sonidos de diferente timbre
El sonido es un movimiento oscilatorio formado por ondas que comprimen y descomprimen a las moléculas del medio que lo transporta (solido, liquido o gas). Debido a lo anterior, se representa como una linea ondulada. Un sonido se caracteriza por tres parámetros: intensidad, tono y timbre
El sonido se produce cuando un cuerpo vibra. Se propaga por medio de ondas mecánicas longitudinales, ya que las partículas vibran en la dirección de propagación de la onda.Una aplicación del eco se observa al medir la profundidad del mar, usando un aparato llamado sonar.
La resonancia se presenta cuando la vibración de un cuerpo hace vibrar a otro con la misma frecuencia. se aplica a las cajas de resonancia que tienen algunos instrumentos musicales para aumentar el sonido original.
Contesta:
El aumento de la presión en una onda se relaciona con el concepto de :
El numero de oscilaciones por segundo determina:
Si se aumenta la frecuencia de un sonido ¿se obtendrá un sonido grave o agudo?
Si te solicitan bajar la amplitud de una onda de radio proveniente de una estación que estas escuchando te están pidiendo que.....
a) que cambies la estacion
b) que bajes el volumen
c) que aumentes la frecuencia de la estación de radio que estas escuchando
Artes Visuales 3 A, B
Entrega tus actividades el lunes 4 de Diciembre.
Artes
visuales:
En
nuestra comunidad no tenemos acceso a este tipo de manifestaciones por lo que
se recurre al uso del libro de texto y la investigación en internet con las
visitas virtuales, para poder compartirlo en una presentación al grupo y
definir la obra a reproducir
Analizar el Arte contemporáneo entre 1960 y 1975: el pop
El centro Georges Pompidou (Renzo Piano
y Richard
Rogers, 1977) destaca por sus atrevidos colores sobre los edificios de
París.
La cara de Barcelona, Roy Lichtenstein, 1992.
arte conceptual (conceptual-art o idea-art),
que incluye o se relaciona con multitud de manifestaciones, estilos o
movimientos: Videoarte,
happening,
Fluxus, (George
Maciunas, Joseph Beuys, Nam
June Paik, John Cage, Wolf
Vostell, Charlotte Moorman), action-art, performance,
arte
povera (desarrollado en Italia), land-art, body-art, Process art.
En 1968 Lucy Lippard y John Chandler publicaron La
desmaterialización del arte (revista Art International)
donde analizaban el proceso de transformación que percibían en el arte
contemporáneo: los artistas habían intensificado la gradual desaparición
del objeto a
favor del concepto
y del arte efímero; muchos de los minimalistas
(Morris, Smithson, Andre) emprendían trabajos en los que "el arte como
idea" o la realización de obras en escenarios naturales (Land Art)
eran los nuevos campos de experimentación o vías de escape al callejón sin
salida en el que según ellos se debatían las poéticas más formalistas.
Fue a principios de los sesenta cuando se hizo patente,
tanto en el ámbito artístico estadounidense como el europeo, la cristalización
y difusión de un nuevo tipo de arte, de unos nuevos comportamientos y de una nueva manera de
entender arte y vida. Nuevos escenarios (la calle, el desierto, las costas
australianas, la montaña, es decir, cualquier lugar de la naturaleza)
reemplazaron los lugares habituales donde el arte solía exponerse. Los valores
prevalecientes en el arte a lo largo de los siglos, y que el arte moderno y las
vanguardias sólo habían reinterpretado, sin cuestionar de modo radical (la armonía, el cromatismo,
la composición, la masa, etc.) eran
repudiados en beneficio de otros (lo efímero, lo pobre, el proceso, la analogía,
etc.). Los medios
tradicionales parecían no ser ya los apropiados para ser mensajes en sí
mismos (lecturas artísticas de la semiología
y de Mac Luhan).
Entrega un cuadro sin-óptico con las corrientes contemporáneas
que incluya a sus principales representantes y sus obras mas representativas asi como la reproducción de las obras en un cartoncillo divide en cuatro partes y en cada una realiza la reproducción de la obra usando gises de colores
Romero
Britto = Nuevo Cubismo + Arte Pop
Originario del Brazil Romero Britto es un
atista neo-pop, pintor, serigrafista y escultor. Combina elementos del cubismo
estereotipado, el arte pop y la pintura de graffiti en su trabajo.
Animales alegres y coloridos, artilugios geométricos y mucha energía
dominan toda la obra de Britto. Nacido en una familia humilde de Recife,
desde muy chico Britto improvisó esculturas y dibujos con los materiales que
tuvo a mano. Su inspiración viene de Picasso, Matisse
y el graffiti.Este creativo llega al público de la mano de Absolut, la prestigiosa marca de vodka, que le encargo un diseño para una de sus ediciones especiales. Lejos de renegar de su paso por el mundo publicitario, Romero Britto vio en Absolut la posibilidad de llevar su arte a mucha gente.
Después vendrían marcas como Pepsi, Apple y Volvo y su consumo sería también “moda” entre una selecta lista de famosos que incluyen desde Giorgio Armani y la familia real de Suecia hasta Gloria Estefan, Bill Clinton, Michael Jackson, Arnold Schwarzenegger, Elton John, entro otros. Asi como la trasformación de lujoso automovil, hasta darle su estilo a un crucero.
Britto actualmente vive en Miami, Florida, donde su arte se puede ver en muchas partes de la ciudad. Britto tiene dos galerías de arte en Miami, una en South Beach y en Midtown Miami.
Romero Britto nació en Recife, Brasil en 1963 y realizó a los 14 años su primera exposición pública. En su juventud visitó varios países de Europa, internándose en el arte y cultura popular. Fijó su residencia en Miami e instaló un estudio en Mayfair Shops, en Coconut Grove, Florida, donde expuso su arte en las calles. También realizó exposiciones en Steiner Gallery, en Bal Harbor, donde Berenice Steiner e Robyn Tauber comenzaron a promocionar su obra.
Luego expuso en Mayfair Shops durante 6 años y fue allí donde Michael Rous, presidente de Absolut Vodka, lo invitó a pintar para una campaña publicitaria mundial de Vodka donde trabajaron también artistas pop de renombre internacional como Andy Warhol, Keith Haring, Kenny Scharf y Ed Ruscha.
Sus anuncios publicitarios aparecieron también en importante revistas de los Estados Unidos y fueron vistos por miles de personas.
Fue convocado también por empresas de renombre como Grand Manier, Pepsi cola, Disney e IBM, entre otras firmas interesadas en la cultura popular.
A lo largo de los años Romero Britto ha dedicado su talento, su arte y sus energías a muchas causas filantrópicas colaborando con reconocidas organizaciones en varios países.
Artistas reconocidos de este movimiento fueron Tristan Tzara y Marcel Jank de Rumanía, el francés Jean Arp y los alemanes Hugo Ball, Hans Richter y Richard Huelsenbeck. Tras varios encuentros informales en distintos cafés, empezaron a darle forma a la idea de crear un cabaret internacional. La primera celebración tuvo lugar el 5 de febrero de 1916 en el Cabaret Voltaire, y consistió en un espectáculo de variedades con canciones francesas y alemanas, música rusa, música negra y exposiciones de arte. Ese mismo año se publicó un panfleto titulado Cabaret Voltaire que contenía aportaciones de Guillaume Apollinaire, Filippo Tommaso Marinetti, Pablo Picasso, Amedeo Modigliani y Vasili Kandinski; en la cubierta aparecía un dibujo de Jean Arp. En 1917 se inauguró la Galería Dadá.
La expansión del mensaje dadaísta fue intensa, amplia y tuvo repercusiones en todos los campos artísticos. En Alemania encontró adeptos entre los intelectuales y artistas que apoyaban el movimiento espartaquista. En Francia ganó las simpatías de escritores como Breton, Louis Aragon y el poeta italiano Ungaretti.
El Dadaísmo suele ser una sucesión de palabras,letras y sonidos a la que es difícil encontrarle lógica. Se distingue por la inclinación hacia lo dudoso, la muerte, lo fantasioso, y por la constante negación. Así, busca renovar la expresión mediante el empleo de materiales inusuales o manejando planos de pensamientos antes no mezclables, lo cual conlleva a una tónica general de rebeldía o destrucción. El Dadaísmo es caracterizado, también, por gestos y manifestaciones provocadoras en las que los artistas pretendían destruir todas las convenciones con respecto al arte, creando, de esta forma, un antiarte. El movimiento dadaísta es un movimiento antiartístico, antiliterario y antipoético porque cuestiona la existencia del arte, la literatura y la poesía. De hecho, por definición, cuestiona el propio Dadaísmo.
El Dadaísmo se presenta como una ideología total, como una forma de vivir y como un rechazo absoluto de toda tradición o esquema anterior. En el fondo es un antihumanismo, entendiendo por humanismo toda la tradición anterior, tanto filosófica como artística o literaria.[cita requerida] No por casualidad en una de sus primeras publicaciones había escrito como cabecera la siguiente frase de Descartes: «No quiero ni siquiera saber si antes de mí hubo otro hombre.»
El Dadaísmo se manifiesta contra la belleza eterna, contra la eternidad de los principios, contra las leyes de la lógica, contra la inmovilidad del pensamiento, contra la pureza de los conceptos abstractos y contra lo universal en general. Propugna, en cambio, la desenfrenada libertad del individuo, la espontaneidad, lo inmediato, actual y aleatorio, la crónica contra la intemporalidad, la contradicción, el "no" donde los demás dicen "sí" y el "sí" donde los demás dicen "no"; defiende el caos contra el orden y la imperfección contra la perfección. Por tanto, en su rigor negativo, también está contra el modernismo, y las demás vanguardias: el expresionismo, el cubismo, el futurismo y el abstraccionismo, acusándolos, en última instancia, de ser sucedáneos de cuanto ha sido destruido o está a punto de serlo. La estética dadaísta niega la razón, el sentido, la construcción del consciente. Sus formas expresivas son el gesto, el escándalo, la provocación. Para el Dadaísmo, la poesía está en la acción y las fronteras entre arte y vida deben ser abolidas.
El aporte permanente del Dadaísmo al arte moderno es el cuestionamiento continuo de qué es el arte o qué es la poesía; la conciencia de que todo es una convención que puede ser cuestionada y que, por tanto, no hay reglas fijas y eternas que legitimen de manera histórica lo artístico. Gran parte de lo que el arte actual tiene de provocación (como la mezcla de géneros y materias propia del collage) viene del Dadaísmo.
Con el fin de expresar el rechazo de todos los valores sociales y estéticos del momento, y todo tipo de codificación, los dadaístas recurrían con frecuencia a la utilización de métodos artísticos y literarios deliberadamente incomprensibles, que se apoyaban en lo absurdo e irracional. Sus representaciones teatrales y sus manifiestos buscaban impactar o dejar perplejo al público con el objetivo de que éste reconsiderara los valores estéticos establecidos. Para ello utilizaban nuevos materiales, como los de desecho encontrados en la calle, y nuevos métodos, como la inclusión del azar para determinar los elementos de las obras. El pintor y escritor alemán Kurt Schwitters destacó por sus collages realizados con papel usado y otros materiales similares. El artista francés Marcel Duchamp expuso como obras de arte productos comerciales corrientes —un secador de botellas y un urinario— a los que denominó ready-mades.
En poesía el Dadaísmo abre el campo para la llegada del surrealismo y ayuda a crear un lenguaje poético libre y sin límites. Para entender qué es la estética dadaísta en el mundo de la poesía nada mejor que recoger los consejos que Tzara propone para hacer un poema dadaísta. El texto fue publicado en la recopilación Siete manifiestos dadá, «Dadá manifiesto sobre el amor débil y el amor amargo», VIII (1924).
El Dadaísmo dejó como legado las revistas y el manifiesto, que son la mejor prueba de sus propuestas. Pero, por definición, no existe una obra dadá. Lo propio del dadaísmo eran las veladas dadá realizadas en cabarets o galerías de arte donde se mezclaban fotomontajes con frases aisladas, palabras, pancartas, recitales espontáneos y un ceremonial continuo de provocación.
Aunque los dadaístas utilizaron técnicas revolucionarias, sus ideas contra las normas se basaban en una profunda creencia, derivada de la tradición romántica, en la bondad intrínseca de la humanidad cuando no ha sido corrompida por la sociedad.
Origen del nombre «dadá»
Aunque la discusión sobre el origen y el significado de la palabra dadá
son amplios, no hay un conocimiento legítimo sobre lo que significa.4
Las explicaciones de los mismos dadaístas varían tanto que es imposible señalar
una y llamarla correcta.1
Hans Arp,
miembro del grupo en 1921, declara lo siguiente en una revista del movimiento:Declaro que Tristan Tzara encontró la palabra «dadá» el 8 de febrero de 1916 a las seis de la tarde. [...] Estoy convencido de que esta palabra no tiene ninguna importancia y que solo los imbéciles pueden interesarse por los datos. Lo que a nosotros nos interesaba es el espíritu dadaísta, y todos nosotros éramos dadaístas antes de la existencia del Dadaísmo.
Se dice[cita requerida] que Tristan Tzara tomó un diccionario, lo puso encima de su escritorio y queriendo buscar una palabra abrió el diccionario en una página y buscó la palabra más rara y desconocida, y encontró dadà, que significa ‘caballo de madera’ en francés.
El mismo Tzara ofreció diversas explicaciones sobre la palabra, todas apuntando al sinsentido de la misma y, no obstante, confusas. Entre éstas encontramos, en el Manifiesto dadaísta de 1918, lo siguiente:
Dadá no significa nada. Si alguien lo considera inútil, si alguien no quiere perder su tiempo con una palabra que no significa nada [...] Por los periódicos sabemos que los negros kru llaman dadá al rabo de la vaca sagrada. El cubo y la madre en cierta comarca de Italia reciben el nombre de dadá. Un caballo de madera en francés, la nodriza, la doble afirmación en ruso y en rumano: dadá.
Todo apunta que los dadaístas querían mostrarle a su público que la palabra dadá, el nombre de su movimiento, era poco importante; lo que importaba era el arte, la creación que de su agrupación surgiera.4
El Dadaísmo en Nueva York (1915-1920)
Duchamp llegó de París a Nueva York con un regalo de los franceses para los estadounidenses(particularmente para el coleccionista Walter Arensberg) que consistía en una bola de cristal con aire de París. Era el comienzo de los ready-mades (una rueda de bicicleta montada sobre un taburete, un botellero, un orinal, etc.), objetos sacados de la realidad y puestos en la esfera del arte por la simple acción y voluntad del artista. El deleite estético estaba fuera de sus intenciones y la elección de los objetos:
Estos refugiados se integraron con las corrientes vanguardistas que desde comienzos del siglo se estaban gestando en Harlem, Greenwich Village y Chinatown. Aunque Nueva York no era Zúrich, ni existía ese clima de refugiados políticos de la ciudad suiza, el espíritu iconoclasta. La mayoría de artistas dadaístas tenían un pensamiento nihilista.
En 1913 tuvo lugar en Nueva York la Exposición Internacional de Arte Moderno, más conocida como el Armory Show. Allí, el Desnudo descendiendo una escalera de Marcel Duchamp causó una auténtica conmoción y fue calificada de obra maestra por Breton. Duchamp se convirtió en la bestia negra del arte moderno. Marcel Duchamp ha pasado a la historia como uno de los artistas más enigmáticos e inteligentes.
La obra más importante de Duchamp es La casada desnudada por sus solteros. Ya conocida en como el gran vidrio. En esta obra, entre otras cosas, Duchamp utiliza técnicas en las que pone de manifiesto su preocupación por la corrección matemática en el uso de las formas. La pieza está precedida en su proceso de realización por multitud de dibujos en los que calculó todos los detalles con precisión matemática, como si se tratara de una máquina. También utiliza el azar al admitir como parte de la pieza las roturas que ésta sufrió en 1923 al ser trasladada a una exposición en Brooklyn. Duchamp dijo que aquello no alteraba la pieza, sino que era entonces cuando la daba por acabada.
Man Ray desarrolló el Dadaísmo en pintura, fotografía y en la fabricación de objetos antiarte. Hans Richter lo define como un inventor pesimista, transformando objetos que le rodeaban en objetos inútiles, creando obras con subtítulos como: "objeto para ser destruido", o "haciendo fotografías sin cámara".
En marzo de 1915 nace la revista 391 por Picabia y Stieglitz. El nombre de la revista lo habían tomado del número de la casa ocupada por una galería de arte en la Quinta Avenida. La revista pone sobre la mesa las ideas del antiarte: una absoluta falta de respeto por todos los valores, liberación de todos los convencionalismos sociales y morales y destrucción de todo aquello que se conoce como arte. Para Duchamp y Picabia el arte está muerto; el Dadaísmo quería la desintegración de la realidad y los ready-mades no son arte, sino antiarte.
El Dadaísmo en Nueva York tendrá un importante apoyo del fotógrafo Alfred Stieglitz, su galería 291 y su revista Camera Work. Para Stieglitz y el grupo de jóvenes fotógrafos que aglutinó bajo el movimiento conocido como Photo Secession, la fotografía podía ser también vista y hecha como arte, y no simplemente como un medio de reproducir la realidad. Así, Stieglitz se convirtió en uno de los precursores de la fotografía moderna.
El Dadaísmo en Alemania
Es en Alemania
donde el Dadaísmo adquiere un cariz más marcadamente político. Ideológicamente,
las posturas de los artistas dadaístas eran comunistas
y, en algunos casos, anarquistas. Tras la guerra, Alemania entra en una situación
crítica. Tras la revolución bolchevique, la Liga Espartaquista alemana ―la izquierda
socialista― ensaya también la revolución en Alemania. En toda esa
agitación social un grupo de artistas van a incorporarse a las tesis
izquierdistas: será el Movimiento dadaísta.Procedente del grupo de Zúrich, Richard Hülsenbeck, lleva a Berlín el espíritu dadaísta, pero mucho más radical contra las anteriores escuelas vanguardistas como el futurismo o el cubismo. En 1918, en el Salón de la Nueva secesión, Hülsenbeck da el primer discurso dadaísta en Alemania, solidarizándose en primer lugar con los dadaístas de Zúrich para después atacar violentamente al cubismo, al expresionismo y al futurismo. Poco después elaboró el primer manifiesto dadaísta en Alemania. Hülsenbeck y el poeta Raoul Hausmann promovieron declaraciones y manifiestos a partir del Dadá Club.
Al club Dadá que se unieron Kurt Schwitters, Hannah Höch y Herzfeld. La constitución de la República de Weimar en 1919 marca el fin de los proyectos políticos dadaístas y su recolocación dentro de un marco estrictamente artístico.
El Dadaísmo berlinés pasará a la historia por la incorporación de las nuevas técnicas artísticas de difusión de ideas entre las masas, principalmente el fotomontaje. Los dadaístas utilizaron la técnica del fotomontaje y del collage para plasmar la realidad que les circundaba, utilizando material visual sacado de los medios de comunicación
Rechazaba la estética tradicional e intentó ensalzar la vida contemporánea, que basándose en sus dos temas dominantes: la máquina y el movimiento. Se recurría, de este modo, a cualquier medio expresivo (artes plásticas, arquitectura, urbanismo, publicidad, moda, cine, música, poesía) capaz de crear un verdadero arte de acción, con el propósito de rejuvenecer y construir un nuevo orden en el mundo.
El poeta italiano Filippo Tommaso Marinetti recopiló y publicó los principios del futurismo en el manifiesto de 1909. Al año siguiente los artistas italianos Giacomo Balla, Umberto Boccioni, Carlo Carrà, Luigi Russolo y Gino Severini firmaron el Manifiesto de los pintores futuristas.
El futurismo procede directamente del cubismo,1 incluso los primeros cuadros, son de pleno derecho, cubistas, pero evolucionan rápidamente hacia una estética diferenciada, debido a su obsesión por representar la velocidad. Es un movimiento, fundamentalmente, italiano.
El futurismo es el primer movimiento artístico que se organiza como tal, se reconoce y se define en 1909 a través del Manifiesto futurista, que publica el poeta Filippo Tommaso Marinetti. Se busca el escándalo, se admira la velocidad y la tecnología, las señas de identidad del mundo moderno y pretende romper con el pasado. Nada del pasado merece la pena ser conservado. Condenan a los museos, a los que considera como cementerios. Pretenden, y valoran, la originalidad por encima de todo.
«Los objetos en movimiento se multiplican y se distorsionan como vibraciones a través del espacio.»
Fragmento del Manifiesto
futurista2
Sus obras se caracterizan por el color y las formas geométricas, y la
representación del movimiento y la velocidad, para ello representan los objetos
sucesivamente, pintándolos en varias posiciones, o emborronándolos, un código
que se ha popularizado en los cómic y los dibujos animados. Tienden a utilizar
colores puros. El futurismo llegará a la abstracción a través del rayonismo.
Características
Entre las características que nos pueden permitir clasificar el movimiento
podemos destacar las siguientes:1- Antiacademicismo total.
- Deuda con el cubismo,
expuesto ya en el apartado de Historia.
- Interés por el dinamismo.
Los futuristas italianos
Umberto Boccioni (1882-1916) que es, además, el
teórico del movimiento. Intenta representar los estados anímicos y el
movimiento. Entre sus obras destacan: Dinamismo de un ciclista, Dinamismo de
una cabeza de hombre, Dinamismo de una cabeza de mujer, La ciudad que crece,
Estados del alma: los que se van.Carlo Carrá (1881-1966) quedará fascinado por la tecnología y los espectáculos nocturnos. Entre sus obras destacan: Penélope, Ídolo hermafrodita,Lo que me dijo el tranvía.
Luigi Russolo (1885-1947) fue el que más se acercó a la abstracción. Entre sus obras destacan: Perfume, La música, Recuerdos de una noche.
Giacomo Balla (1871-1957) es el más fiel representante del futurismo. Investigó los problemas de la luz y el color. Los ritmos del arco, Dinamismo de un perro con correa, Niña corriendo en un balcón, Vuelo de golondrinas, Lámpara eléctrica.
Otros futuristas italianos fueron Gino Severini: Autorretrato, La bailarina obsesionante, Norte-Sur, Bailarina azul; Giuseppe Cominetti: Amantes en el agua; y Enrico Prampolini: Composición.
Escultura futurista
En las esculturas futuristas también se intenta representar el movimiento.
Para ello los planos se desarrollan en el espacio. Los pintores futuristas son,
generalmente, también escultores. Destacan Umberto
Boccioni, quien más cultivó la escultura.El futurismo se caracterizó por el intento de captar la sensación de movimiento. Para ello superpuso acciones consecutivas, una especie de fotografía estroboscópica o una serie de fotografías tomadas a gran velocidad e impresas en un solo plano. Ejemplos destacados son el Jeroglífico dinámico de Bal Tabarin (1912, Museo de Arte Moderno, Nueva York) y el Tren suburbano (1915, Colección Richard S. Zeisler, Nueva York), ambos de Gino Severini.
Fotografía futurista
El violonchelista.
En el campo de la fotografía destacaron los hermanos Bragaglia y sus imágenes movidas, que
ofrecen tiempos sucesivos y trayectoria de los gestos, como en Carpintero
serrando o en Joven meciéndose.En 1914 se presentaron también los primeros dibujos sobre una ciudad moderna de Antonio Sant'Elia y Mario Chiattone. Sant'Elia presentó ese mismo año su Manifiesto de la arquitectura futurista, un proyecto utópico que cristalizó en las imágenes de la Ciudad Nueva: la nueva medida ya no era el edificio, sino la estructura urbana, y apostaba, además, por las nuevas tipologías, como estaciones de trenes y aeroplanos, centrales eléctricas, casas escalonadas con ascensores… Se trataba de un nuevo mundo vertical y mecánico, conectado a través de redes de ascensores de hierro y cristal.
Aunque el futurismo tuvo una corta existencia, aproximadamente hasta 1944 -acabado con la muerte de Marinetti- su influencia se aprecia en las obras de autores canónicos como Marcel Duchamp, Fernand Léger y Robert Delaunay en París, así como en el definitivo constructivismo ruso.
En 1915 algunos de los representantes del futurismo, como Marinetti y Sant'Elia, se enrolaron en un batallón de voluntarios, de acuerdo con el punto nueve de su decálogo fundacional, donde se ensalzaba la guerra "como la única higiene del mundo". Algunos de ellos murieron, como Sant'Elia, y los demás radicalizaron sus posiciones, como la conocida conversión al fascismo en las elecciones de 1919.
Estética
Marinetti concibió esta nueva estética, inspirado en la patafísica
de Alfred
Jarry, en Remy de Gourmont y en procedimientos estilísticos,
que este movimiento literario, no asumió, respecto de ninguna tradición formal,
ni cultural previa. El futurismo fue llamado así por su intención de romper
absolutamente con el arte del pasado (el llamado pasadismo), y por
considerar que los museos, en especial en Italia, eran sitios equivalentes a
los cementerios, donde la tradición artística común lo impregnaba todo.Según Marinetti, había que hacer tabla rasa del pasado y crear un arte nuevo, desde cero, acorde con la mentalidad moderna y las nuevas realidades, tomando como modelo a las máquinas y sus virtudes: la fuerza, la rapidez, la velocidad, la energía, el movimiento, la deshumanización.
En la literatura, el futurismo abjura completamente del pasado y alienta a no respetar la métrica. Asimismo, intenta sustituir los nexos por notaciones algebraicas y buscar un léxico radicalmente hecho de tecnicismos y barbarismos, plagado de infinitivos, exclamaciones e interjecciones que denotan energía y libertad.
El llamado teatro sintético del futurismo es el espacio en el cual las acciones ocurren a una velocidad vertiginosa, con tramas de no más de diez minutos, y donde se ocultan las presencias humanas, y sólo se ven los pies de los actores, cuyas figuras se adivinan por metonimia.
La estética futurista pregona una ética, de raíz fundamentalmente machista, misógina y provocadora. Entre sus postulados se dignifica la guerra como una fórmula para el sanamiento de un mundo anacrónico y decrépito, y proscribe la argumentación sentimental o anecdótica.
Con el correr de los años, Marinetti fue politizando el movimiento, hasta coincidir con las tesis del fascismo, en cuyo partido ingresó en 1919.
El futurismo fue un movimiento fundamentalmente italiano y de carácter literario (Marinetti), aunque tuvo expresiones importantes en la plástica (el pintor argentino Emilio Pettoruti y los pintores italianos Gino Severini, Carlo Carrà, Giacomo Balla o el escultor Umberto Boccioni). También tuvo adherencias en otras manifestaciones artísticas, en arquitectura (Antonio Sant'Elia) y en la música (el ruidismo del compositor Luigi Russolo, antecedente directo de la llamada música concreta).
El futurismo en otros países
El futurismo tuvo sus más notables seguidores en otras naciones, como Rusia donde el
fenómeno se conoce como futurismo ruso (los poetas Vladímir Maiakovski, Velimir Jlébnikov y Alekséi Kruchiónyj - éste
último creador del "lenguaje transmental",
en ruso за́умь, зау́мный языk o záum, zaúmny iazyk, en:zaum -, y
otros), en Bélgica
(el escritor Émile Verhaeren), en Portugal (Fernando
Pessoa, quien divulgó el movimiento a través de la revista Orpheu,
1915), en España
(el poeta Joan Salvat-Papasseit) y en el Río de la Plata, donde algunos poetas reflejaron
temporalmente la influencia de la corriente, por influjo de la primera visita
de Marinetti al Cono Sur, en 1926. Marcos Fingerit, Brandán Caraffa y Alberto
Hidalgo, en Buenos Aires, y Alfredo Mario Ferreiro y Juan Parra del Riego, en Montevideo.
Trascendencia del futurismo
La importancia que tuvo el futurismo, más allá de sus méritos artísticos,
consistió en crear una estética desde cero, con lo que se hizo posible una profunda
renovación de las técnicas y principios artísticos, cuyas repercusiones aún se
sienten. Fue uno de los primeros "ismos" o vanguardias artísticas, y
su valor como movimiento de ruptura allanó el camino a otras corrientes que
refrescaron el panorama artístico en los albores del siglo XX.Muchas de sus técnicas para "figurar, con medios estáticos, el movimiento real" han sido incorporadas también al lenguaje de la historieta moderna.3
Características
La intención del neoplasticismo es representar la totalidad de lo real,
expresar la unidad de la naturaleza, que nos ofrece apariencias cambiantes y
caprichosas, pero que, sin embargo, es de una regularidad absoluta. Sus
principales características son:- Búsqueda de la renovación
estética.
- Lenguaje plástico objetivo
y como consecuencia, universal.
- Exclusión de lo individual
y del objeto (limitado temporal y localmente).
- Se elimina todo lo superfluo
hasta que prevalece sólo lo elemental, en un intento de llegar a la
esencia.
- Depuración de las formas
hasta llegar a sus componentes fundamentales: líneas, planos y cubos.
- Planteamiento totalmente
racionalista.
- Estructuración a base de
una armonía de líneas y masas coloreadas rectangulares de diversa
proporción, siempre verticales, horizontales formando ángulos rectos.
- Nunca se recurre a la
simetría, aunque hay un marcado sentido del equilibrio logrado por la
compensación de las formas y los colores.
- Uso de pocos colores.
- Colores planos, de carácter
saturado o puros (primarios: amarillo, azul, rojo) y tonal o neutros
(blanco, negro y grises).
- Empleo de fondos claros.
- Pinturas: equilibradas,
ordenadas, optimistas, alegres.
- Es una orientación
artística antitrágica: arte no como expresión purgativa de sentimientos
trágicos interiores del artista, sino como metáfora visual de armonía
espiritual.
Formación
Nació en una familia calvinista. Desde 1892 hasta 1908 estudió en la Academia
Estatal de Ámsterdam, en la que su maestro fue August
Allebé.Comenzó su carrera como maestro de educación primaria, pero mientras enseñaba también practicaba la pintura. La mayor parte de su trabajo de este período naturalista o impresionista está constituida por paisajes. Estas imágenes pastorales de su Holanda nativa representan molinos de viento, campos, y ríos, inicialmente de manera impresionista al estilo de "La escuela de La Haya", que hace al autor sucesor de Jongkind, y luego en una variedad de estilos y técnicas que documenta su búsqueda por un estilo personal. Las pinturas en las que predominan los colores malva, gris suave y verde oscuro son las más representativas de su momento inicial e ilustran la influencia de varios movimientos artísticos en Mondrian, incluso el puntillismo y los colores vívidos del fovismo, en los que se vuelca en 1908 por influencia de Jan Toorop.
En la exhibición en el Hague's Gemeentemuseum varias pinturas son de este período, incluyendo los trabajos postimpresionistas como "El Molino Rojo" y "Árboles a la Luz de la luna". Otra pintura, Avond ("Tarde") (1908), que presenta una escena de parvas (o niaras) en un campo durante el crepúsculo es un cuadro que ya deja intuir los desarrollos futuros de este pintor; en él usa una paleta que consiste casi exclusivamente en rojo, amarillo y azul. Aunque en ningún sentido es abstracto, "Avond" es el más temprano de los trabajos de Mondrian que da énfasis a los colores primarios.
Las pinturas más tempranas que muestran un vislumbre de la abstracción son una serie de cuadros de 1905 a 1907, en los cuales pinta escenas oscuras de árboles indistintos y casas con reflejos en agua que los hace casi aparecer como manchas de tinta de un proyectivo test de Rorschach. Sin embargo, aunque el resultado final deja ver el énfasis en las formas sobre el contenido, estas pinturas todavía se arraigan firmemente en la naturaleza, y es sólo por el conocimiento de estos logros de Mondrian que se llegan a reconocer las raíces de su abstracción futura.
Mondrian y su trabajo posterior fueron influenciados profundamente por los "Moderne Kunstkring" 1911 en la exhibición de cubismo en Ámsterdam. Su búsqueda por la simplificación se muestra en dos versiones del cuadro Stilleven met gemberpot (Naturaleza muerta con una olla de jengibre). La versión cubista, de 1911, y la abstracta de 1912, en la que el tema es reducido a una forma redonda con triángulos y rectángulos.
Entre 1911 y 1914 estuvo en París, donde recibió la influencia cubista. Volvió a Ámsterdam. Allí conoció, en 1915, a Van Doesburg, con el que fundó el grupo De Stijl en 1917. En torno a esta revista De Stijl (El estilo), publicada entre 1917 y 1926, se constituyó un grupo de artistas que recibieron la directa influencia de la "revolución cubista", entre los cuales Mondrian es el pintor más importante.
En 1919 regresó a París. En 1921 redujo su paleta a los colores primarios, blanco y negro. En 1930 se unió al grupo "Cercle et carré" y en 1931 a Abstraction-Création. En 1930 la estilista Lola Prusac crea para la Casa HERMÈS en París una línea completa de bolsos y equipajes directamente inspirados en las obras de Mondrian con recortes rojos, amarillos y azules.1 En 1938 se marchó a Londres y en 1940 a Estados Unidos.
En la década de los años 1940, sus trabajos se volvieron más vívidos en ritmo, menos estructurados al yuxtaponer áreas de colores brillantes y cálidos.
La teoría de Mondrian ha sido relevante en el siglo XX trascendiendo la pintura e influyendo en las demás expresiones estéticas: diseño, decoración, arquitectura, y escultura.
Filosofía estética de Mondrian
Composición en rojo, amarillo, azul y negro, 1926.
El arte de Mondrian siempre estaba íntimamente relacionado a sus estudios
espirituales y filosóficos. A partir de 1908, se interesó en el movimiento
teosófico
fundado por Helena Petrovna Blavatsky a fines del
siglo XIX. Blavatsky creyó que era posible lograr un conocimiento de la
naturaleza más profundo que sólo el proporcionado por los medios empíricos, y
mucho del trabajo de Mondrian del resto de su vida estuvo inspirado por la
búsqueda de ese supuesto conocimiento esencial. Una frase suya lo explica:
«solo cuando estemos en lo real absoluto el arte no será ya más necesario».En efecto: al dedicarse a la abstracción geométrica, Mondrian, busca encontrar la estructura básica del universo, la supuesta “retícula cósmica” que él intenta representar con el no-color blanco (presencia de todos los colores) atravesado por una trama de líneas de no-color negro (ausencia de todos los colores) y, en tal trama, planos geométricos (frecuentemente rectangulares) de los ya mencionados colores primarios, considerados por Mondrian como los colores elementales del universo. De este modo, repudiando las características sensoriales de la textura y la superficie, eliminando las curvas, y en general todo lo formal. Expresó que el arte no debe ser figurativo, no debe implicarse en la reproducción de objetos aparentemente reales, sino que el arte debe ser una especie de indagación de lo absoluto subyacente tras toda la realidad fenoménica. Como anécdota de sus ligeras excentricidades cabe mencionar que prohibió el color verde en su casa.
Busca, en suma, un "arte puro", despojado de lo particular, y dice que «El propósito no es crear otras formas y colores particulares con todas sus limitaciones, sino trabajar tendiendo a abolirlos en interés de una unidad más grande.» Su radicalismo es tal que, cuando Van Doesburg buscó variaciones a sus estructuras formales a partir de 1924, inclinando los rectángulos, Mondrian abandonó De Stijl.
Valoración
Victory Boogie Woogie, 1942-1944, Gemeentemuseum, La Haya.
Mondrian fue un contribuyente importante en el movimiento y grupo de arte De Stijl,
que fundó Theo Van Doesburg. A pesar de ser muy conocido, o
más bien precisamente por ello, a menudo ha sido parodiado y trivializado. Las
pinturas de Mondrian exhiben una complejidad que desmiente su simplicidad
aparente. Es principalmente conocido por sus pinturas no figurativas, a las que
llamó composiciones, que consisten en formas rectangulares en rojo, amarillo, azul y negro,
separadas por gruesas líneas rectas negras; son el resultado de una evolución
estilística que se cumplió en el curso de casi 30 años y aún continuó más allá,
hasta el final de su vida.Surrealismo
La primera fecha histórica del movimiento es 1916, año en que André Breton, precursor, líder y gran pensador del movimiento, descubre las teorías de Sigmund Freud y Alfred Jarry, además de conocer a Jacques Vaché y a Guillaume Apollinaire. Durante los siguientes años se da un confuso encuentro con el dadaísmo, movimiento artístico precedido por Tristan Tzara, en el cual se decantan las ideas de ambos movimientos. Estos, uno inclinado hacia la destrucción nihilista (dadá) y el otro a la construcción romántica (surrealismo) se sirvieron como catalizadores entre ellos durante su desarrollo.
En el año 1924 Breton escribe el primer Manifiesto Surrealista y en este incluye lo siguiente:
Indica muy mala fe discutirnos el derecho a emplear la palabra surrealismo, en el sentido particular que nosotros le damos, ya que nadie puede dudar de que esta palabra no tuvo fortuna, antes de que nosotros nos sirviéramos de ella. Voy a definirla de una vez para siempre:
Surrealismo: "sustantivo, masculino. Automatismo psíquico puro, por cuyo medio se intenta expresar, verbalmente, por escrito o de cualquier otro modo, el funcionamiento real del pensamiento. Es un dictado del pensamiento, sin la intervención reguladora de la razón, ajeno a toda preocupación estética o moral."
Filosofía: "El surrealismo se basa en la creencia de una realidad superior de ciertas formas de asociación desdeñadas hasta la aparición del mismo, y en el libre ejercicio del pensamiento. Tiende a destruir definitivamente todos los restantes mecanismos psíquicos, y a sustituirlos por la resolución de los principales problemas de la vida.
Tal fue la definición del término dada por los propios Breton y Soupault en el primer Manifiesto Surrealista fechado en 1924. Surgió por tanto como un movimiento poético, en el que pintura y escultura se conciben como consecuencias plásticas de la poesía.
En El surrealismo y la pintura, de 1928, Breton expone la psicología surrealista: el inconsciente es la región del intelecto donde el ser humano no objetiva la realidad sino que forma un todo con ella. El arte, en esa esfera, no es representación sino comunicación vital directa del individuo con el todo. Esa conexión se expresa de forma privilegiada en las casualidades significativas (azar objetivo), en las que el deseo del individuo y el devenir ajeno a él convergen imprevisiblemente, y en el sueño, donde los elementos más dispares se revelan unidos por relaciones secretas. El surrealismo propone trasladar esas imágenes al mundo del arte por medio de una asociación mental libre, sin la intromisión censora de la conciencia. De ahí que elija como método el automatismo, recogiendo en buena medida el testigo de las prácticas mediúmnicas espiritistas, aunque cambiando radicalmente su interpretación: lo que habla a través del médium no son los espíritus, sino el inconsciente.
Técnicas surrealistas
El surrealismo tomó del dadaísmo algunas técnicas de fotografía y
cinematografía así como la fabricación de objetos. Extendieron el principio del
collage (el "objeto encontrado") al ensamblaje de objetos
incongruentes, como en los poemas visibles de Max Ernst. Este último inventó el
frottage (dibujos compuestos por el roce de superficies rugosas contra
el papel o el lienzo) y lo aplicó en grandes obras como Historia Natural,
pintada en París
en 1926.
La pintura surrealista
Masson adoptó enseguida las técnicas del automatismo, hacia 1923-1924, poco después
de conocer a Breton. Hacia 1929 las abandonó para volver a un estilo cubista. Por su
parte, Dalí utilizaba más la fijación de imágenes tomadas de
los sueños, según Breton, «...abusando de ellas y poniendo en peligro la credibilidad
del surrealismo...»; inventó lo que él mismo llamó método paranoico-crítico, una mezcla entre
la técnica de observación de Leonardo
da Vinci, por medio de la cual, observando una pared se podía ver cómo
surgían formas y técnicas de frottage;
fruto de esta técnica son las obras en las que se ven dos imágenes en una sola
configuración. Óscar Domínguez inventó la decalcomanía
(aplicar gouache
negro sobre un papel el cual se coloca encima de otra hoja sobre la que se
ejerce una ligera presión, luego se despegan antes de que se sequen). Además de
las técnicas ya mencionadas de la decalcomanía y el frottage, los
surrealistas desarrollaron otros procedimientos que incluyen igualmente el
azar: el raspado,
el fumage y la distribución de arena sobre el
lienzo encolado.2Miró fue para Breton el más surrealista de todos, por su automatismo psíquico puro. Su surrealismo se desenvuelve entre las primeras obras donde explora sus sueños y fantasías infantiles (El Campo labrado), las obras donde el automatismo es predominante (Nacimiento del mundo) y las obras en que desarrolla su lenguaje de signos y formas biomorfas (Personaje lanzando una piedra). Arp combina las técnicas de automatismo y las oníricas en la misma obra desarrollando una iconografía de formas orgánicas que se ha dado en llamar escultura biomórfica, en la que se trata de representar lo orgánico como principio formativo de la realidad.
René Magritte dotó al surrealismo de una carga conceptual basada en el juego de imágenes ambiguas y su significado denotado a través de palabras poniendo en cuestión la relación entre un objeto pintado y el real. Paul Delvaux carga a sus obras de un espeso erotismo basado en su carácter de extrañamiento en los espacios de Giorgio de Chirico.
El surrealismo penetró la actividad de muchos artistas europeos y americanos en distintas épocas. Pablo Picasso se alió con el movimiento surrealista en 1925; Breton declaraba este acercamiento de Picasso calificándolo de «...surrealista dentro del cubismo...». Se consideran surrealistas las obras del período Dinard (1928-1930), en que Picasso combina lo monstruoso y lo sublime en la composición de figuras medio máquinas medio monstruos de aspecto gigantesco y a veces terrorífico. Esta monumentalidad surrealista de Picasso puede ponerse en paralelo con la de Henry Moore y en la poesía y el teatro con la de Fernando Arrabal.
Otros movimientos pictóricos nacieron del surrealismo o lo prefiguran, como por ejemplo el Art brut.
Apogeo y decadencia del surrealismo
En 1938 tuvo
lugar en París la Exposición Internacional del Surrealismo que marcó el apogeo
de este movimiento antes de la guerra. Participaron entre otros, Marcel
Duchamp, Arp, Dalí,
Ernst, Masson, Man Ray, Óscar Domínguez y Meret
Oppenheim. La exposición ofreció al público sobre todo una excelente
muestra de lo que el surrealismo había producido en la fabricación de objetos.Con el estallido de la Segunda Guerra Mundial, los surrealistas se dispersan, algunos de ellos (Breton, Ernst, Masson) abandonan París y se trasladan a los Estados Unidos, donde siembran el germen para los futuros movimientos americanos de posguerra (expresionismo abstracto y Arte Pop).
El surrealismo en España y Latinoamérica
El surrealismo en la pintura española y
latinoamericana
En España el surrealismo aparece en torno a los años
veinte no en su vertiente puramente vanguardista sino mezclado con acentos
simbolistas y de la pintura popular. Además de Joan Miró
y Salvador Dalí, el surrealismo español lo componen Maruja
Mallo, Gregorio Prieto, José Moreno Villa, Benjamín Palencia y José
Caballero, además de los neocubistas que se pasan al surrealismo (Alberto Sánchez y Ángel
Ferrant).Hubo un importante núcleo surrealista en las Islas Canarias, agrupado en torno a la Gaceta de Arte de Eduardo Westerdahl, del que un grupo de poetas invitaron a André Bretón a venir en 1935; allí compuso este el poema Le chateau etoilé y otras obras. Los máximos representantes de la pintura surrealista en el archipiélago fueron Óscar Domínguez, Juan Ismael y el propio Westerdahl.
En Latinoamérica se consideran surrealistas, además de los ya citados Roberto Matta (Chile) y Lam, a Remedios Varo y Leonora Carrington (ambas inmigrantes europeas posteriormente nacionalizadas mexicanas).
La que es considerada como la primera exposición surrealista en Latinoamérica se llevó a cabo en Lima, Perú en 1935 por iniciativa de los poetas y pintores surrealistas peruanos César Moro y Emilio Adolfo Westphalen.3 Posteriormente en México, en enero de 1940, el mismo César Moro con André Breton y Wolfgang Paalen logran presentar en la Galería de Arte Mexicano una selección de cuarenta obras tanto de representantes del movimiento surrealista como de americanos cuyo trabajo tenía afinidad con el movimiento.[cita requerida]. Existe un debate sobre si la obra de Frida Khalo pertenece a la corriente surrealista. Breton consideraba a México la esencia del surrealismo e interpretaba sus obras como surrealistas, si bien la propia Kahlo decía claramente "Yo no pinto sueños... pinto mi realidad".4
En las artes plásticas
Al principio el surrealismo era un movimiento fundamentalmente literario, y
hasta un poco más tarde no produciría grandes resultados en las artes
plásticas. Surge un concepto fundamental, el automatismo, basado en una suerte de
dictado mágico, procedente del inconsciente, gracias al cual surgían poemas,
ensayos, etc., y que más tarde sería recogido por pintores y escultores.La primera exposición surrealista se celebró en la Galerie Pierre de París en 1925, y en ella, además de Jean Arp, Giorgio de Chirico y Max Ernst, participaron artistas como André Masson, Picasso, Man Ray, Pierre Roy, P. Klee y Joan Miró, que posteriormente se separarían del movimiento o se mantendrían unidos a él adoptando únicamente algunos de sus principios. A ellos se adhirieron Yves Tanguy, René Magritte, Salvador Dalí y Alberto Giacometti.9
La rebelión del surrealismo contra la tradición cultural burguesa y el orden moral establecido tuvo su cariz político, y un sector del surrealismo, que no consideraba suficientes los tumultos de sus manifestaciones culturales, se afilió al Partido Comunista Francés. Sin embargo, nacieron violentas discrepancias en el seno del grupo a propósito del debate sobre la relación entre arte y política; se sucedieron manifiestos contradictorios y el movimiento tendió a disgregarse. Es significativo, a este respecto, que la revista «La révolution surréaliste» pase a llamarse, desde 1930, «Le surréalisme au service de la révolution». En los años 1930, el movimiento se extendió más allá de las fronteras francesas. Se celebró en 1938 en París la Exposición Surrealista Internacional.
La segunda guerra mundial paralizó toda actividad en Europa. Ello motivó que Breton, como muchos otros artistas, marchase a los EE. UU. Allí surgió una asociación de pintores surrealistas alemanes y franceses que se reunió en torno a la revista VVV. Estos surrealistas emigrados a EE. UU. influyeron en el arte estadounidense, en particular en el desarrollo del expresionismo abstracto en los años 1940. Cuando Breton regresó a Europa en 1946 el movimiento estaba ya definitivamente deteriorado.
Entre los artistas plásticos se manifiesta una dualidad en la interpretación del surrealismo: los surrealistas abstractos, que se decantan por la aplicación del automatismo puro, como André Masson o Joan Miró, e inventan universos figurativos propios; y los surrealistas figurativos, interesados por la vía onírica, entre ellos René Magritte, Paul Delvaux, o Salvador Dalí, que se sirven de un realismo minucioso y de medios técnicos tradicionales, pero que se apartan de la pintura tradicional por la inusitada asociación de objetos y las monstruosas deformaciones, así como por la atmósfera onírica y delirante que se desprende de sus obras. Max Ernst es uno de los pocos surrealistas que se mueve entre las dos vías. La obra de Ernst ha influido particularmente en un epígono tardío del surrealismo en Alemania que es Stefan von Reiswitz.
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El movimiento como tal surgió a mediados de los años 1950 en el Reino Unido y a finales de los años 1950 en los Estados Unidos.4 con diferentes motivaciones. En Estados Unidos marcó el regreso del dibujo del tipo Hard edge (traducido como «dibujo de contornos nítidos»5 ) y del arte representacional como una respuesta de los artistas al utilizar la realidad mundana e impersonal, la ironía y la parodia para contrarrestar el simbolismo personal del expresionismo abstracto.3 6 En contraste, el origen en la Bretaña de la post-guerra, aunque también utilizaba la ironía y la parodia, era más académico y se enfocaba en la imaginería dinámica y paradójica de la cultura popular estadounidense, la cual estaba formada por un conjunto de mecanismos fuertes y manipuladores que estaban afectando los patrones de la vida, mientras mejoraban la prosperidad de la sociedad.6 El arte pop temprano de Inglaterra se puede considerar entonces como una serie de ideas alimentadas por la cultura popular estadounidense vista desde lejos, mientras que los artistas estadounidenses estaban inspirados en la experiencia de vivir dentro de dicha cultura.6
La mayoría de las obras de este estilo son consideradas incongruentes debido a que las prácticas conceptuales que generalmente son utilizadas hacen que sean de una difícil comprensión. El concepto del Arte Pop no hace tanto énfasis al arte en sí, sino a las actitudes que lo conducen.1
En el Reino Unido: el Grupo Independiente
El Grupo Independiente, fundado en Londres
en 1952,
es reconocido como el precursor del movimiento artístico pop.4
7
Eran un grupo de jóvenes pintores, escultores,
arquitectos,
escritores
y críticos que desafiaban la
visión modernista de la cultura así como la perspectiva tradicional de ver las
Bellas artes. Las discusiones del grupo se centraban en la cultura popular y la
implicación de la aparición de dichos elementos de comerciales, películas, tiras
cómicas, ciencia ficción y la tecnología.
Durante la primera reunión del Grupo independiente en 1952, el
co-fundador, artista y escultor Eduardo
Paolozzi presentó una lectura utilizando una serie de collages
titulado Bunk!, el cual había ensamblado durante su estancia en París
entre 1947 y 1949.4
7
El material consistía en «objetos encontrados» tales como anuncios, personajes
de tiras cómicas, portadas de revistas y material gráfico que representaba la
cultura estadounidense. Una de las imágenes utilizada en dicha presentación fue
un collage de 1947 de Paolozzi titulado I was a Rich Man's Plaything,
el cual incluye la primera vez en que se utilizó la palabra “pop!″, que
aparecía en una nube de humo que emergía de un revólver.4
8
Después de dicha presentación, el grupo independiente se enfocó principalmente
en el uso de imágenes de la cultura estadounidense, principalmente aquellas que
aparecían en los medios de comunicación masivos.6El término arte pop fue acuñado finalmente por John McHale en 1954 con la finalidad de describir el movimiento. Éste fue utilizado en las discusiones del Grupo independiente durante su segunda sesión realizada en 1955 y la primera aparición de dicho término en una publicación impresa tuvo lugar en 1956, en un artículo publicado en Arc por parte de los miembros del Grupo Alison y Peter Smithson.9 sin embargo el término generalmente es acreditado al crítico y curador británico Lawrence Alloway, quien en un ensayo titulado The Arts and the Mass Media (las artes y los medios masivos) de 1958 utilizó el término «popular mass culture» (cultura popular de las masas).10
El arte pop estadounidense
Aunque el movimiento comenzó a finales de 1950, el arte pop en Estados
Unidos tuvo su mayor impulso durante la década de 1960. En ese momento, la
publicidad estadounidense había adoptado muchos elementos e inflexiones del
arte moderno y funcionaban a un nivel muy sofisticado. En consecuencia, los
artistas de América tenían que buscar más profundo para los estilos dramáticos
que se distancia del arte de los materiales bien diseñados e inteligente
comerciales. Por lo que los británicos consideraban a las imágenes de la
cultura popular americana desde una perspectiva un tanto alejadas, sus puntos
de vista se inculca a menudo con romántico, connotaciones sentimentales y
humorísticas. Por el contrario, los artistas de América siendo bombardeados a
diario con la diversidad de las imágenes producidas en masa, el trabajo que se
producen en general más audaz y agresivo. Dos pintores importantes en el
establecimiento del vocabulario del arte pop de Estados Unidos fueron Jasper
Johns y Robert Rauschenberg. Mientras que las pinturas de Rauschenberg tener
relaciones a los trabajos anteriores de Kurt Schwitters y otros dadaístas, su
preocupación con las cuestiones sociales del momento. Su método consistía en
crear arte con materiales efímeros y el uso de acontecimientos de actualidad en
la vida de todos los días de América dio a su trabajo una calidad única. El
trabajo de Johns y Rauschenberg de la década de 1950 está clasificado como
Neo-Dada, y es visualmente distinta de la clásica Arte pop norteamericano que
comenzó en la década de 1960. De igual importancia para el arte pop es Roy
Lichtenstein. Su trabajo probablemente define la premisa básica del arte pop
mejor que cualquier otro a través de la parodia. Selección de la tira cómica
antigua como la materia, Lichtenstein produce un duro filo, la composición
precisa que los documentos, mientras que las parodias de una manera suave. Las
pinturas de Lichtenstein, como las de Andy Warhol, Tom Wesselmann y otros,
comparten un vínculo directo a la imagen habitual de la cultura popular
norteamericana, sino también tratar el tema de una manera impersonal,
ilustrando claramente la idealización de la producción en masa. Andy Warhol es
probablemente la figura más famosa del arte pop. Warhol intentó tomar Pop más
allá de un estilo artístico a un estilo de vida y su obra a menudo se muestra
la falta de afectación humana que prescinde de la ironía y la parodia de muchos
de sus compañeros.
En España
En España, el estudio del arte pop se asocia con la "nueva
figuración", que surgió de las raíces de la crisis del informalismo.
Eduardo Arroyo se podría decir que encaja dentro de la tendencia del arte pop,
en razón de su interés por el medio ambiente, su crítica de nuestra cultura,
los medios de comunicación que incorpora los iconos de los medios de
comunicación de masas y la historia de la pintura, y su desprecio por casi
todos los establecidos artística estilos. Sin embargo, el español que podría
ser considerado como el más auténtico artista pop fue Alfredo Alcaín, por el
uso que hace de las imágenes populares y espacios vacíos en sus composiciones.
También en la categoría de arte pop español es la "Crónica del
Equipo" (El Equipo Crónica), que existió en Valencia entre 1964 y 1981,
formado por los artistas Manolo Valdés y Rafael Solbes. Su movimiento puede ser
caracterizado como Pop por su uso de los cómics y las imágenes de la publicidad
y la simplificación de las imágenes y composiciones fotográficas. El cineasta
Pedro Almodóvar salió de Madrid "La Movida" subcultura (1970)
haciendo de bajo presupuesto super 8 películas de arte pop y fue llamado
posteriormente el Andy Warhol de España por los medios de comunicación en el
momento. En el libro "Almodóvar en Almodóvar", es citado diciendo que
la película de 1950 "Funny Face " es una inspiración central de su obra.
Una marca pop en el cine de Almodóvar es que siempre produce un anuncio falso
que se insertará en una escena.
En Italia
En Italia, el arte pop fue conocido desde 1964 y tomó diferentes formas,
como la "Scuola di Piazza del Popolo" en Roma, con artistas como Mario Schifano,
Franco Angeli,
Giosetta Fioroni,
Tano Festa y
también algunas piezas de arte de Piero
Manzoni y Mimmo Rotella.El pop art italiano se gestó con la cultura de los años 1950, con los trabajos de dos artistas en particular: Enrico Baj y Mimmo Rotella, considerados los líderes del movimiento. De hecho, fue entre los años 1958 y '59 que Baj y Rotella abandonaron sus anteriores carreras —las cuales podrían ser definidas en general como un género no representativo a pesar de pasar por el post-Dadaismo— para catapultarse hacia el mundo de las imágenes y reflejos que estaban brotando a su alrededor. Los pósters de Mimmo Rotella consiguieron un gusto más figurativo, a menudo explícitamente e intencionalmente refiriéndose a los grandes íconos de la época. Las composiciones de Enrico Baj estuvieron inmersas en el kitsch contemporáneo, lo que terminaría siendo una mina de oro de imágenes y un estímulo para toda una generación de artistas.
La novedad se apoya en el nuevo panorama visual, tanto dentro de cuatro paredes como fuera: automóviles, señales de tránsito, televisión, todo el "nuevo mundo". Todo puede pertenecer al mundo del arte, el cual es nuevo en sí mismo. Desde ese punto de vista, el arte pop italiano toma el mismo camino ideológico que la escena internacional; lo único que cambia es la iconografía y en algunos casos, la presencia de una actitud más crítica. Incluso en este caso, los prototipos pueden ser hallados originialmente en Rotella y Baj, ambos lejos de ser neutrales en su relación con la sociedad. Sin embargo este no es un elemento exclusivo; hay una larga lista de artistas, desde Gianni Ruffi hasta Roberto Barni, desde Silvio Pasotti hasta Umberto Bignardi y Claudio Cintoli que tratan la realidad como un juguete, como una vidriera de donde sacar material con desencanto y frivolidad, cuestionando los modelos lingüísticos tradicionales con un renovado espíritu de diversión al estilo Aldo Palazzeschi.11
En Japón
El arte pop en Japón es único e identificable como el japonés, debido a las
materias regulares y estilos. Muchos artistas pop japoneses se inspiran en gran
parte del anime, y en ocasiones ukiyo-e y el arte tradicional japonés. El
artista más conocido del pop en la actualidad en Japón es Takashi Murakami,
cuyo grupo de artistas, Kaikai Kiki, es mundialmente conocida por su propio
movimiento de arte producidas en serie, pero muy abstracto y único superflat,
un surrealista, movimiento post-moderno, cuya inspiración viene sobre todo de
anime y la cultura callejera japonesa, es sobre todo para los jóvenes en Japón,
y ha hecho un gran impacto cultural. Algunos artistas de Japón, como Yoshitomo
Nara, son famosas por su arte del grafiti de inspiración, y algunos, como
Murakami, son famosos por plástico producidos en serie o figuritas polímero.
Muchos artistas pop en Japón utilizan surrealista u obsceno, imágenes
impactantes en su arte, tomado del hentai japonés. Este elemento de la técnica
llama la atención de los espectadores jóvenes y viejos, y es muy sugerente,
pero no se toma como ofensiva en Japón. Una metáfora común utilizada en el arte
pop japonés es la inocencia y la vulnerabilidad de los niños y jóvenes.
Artistas como Nara y Aya Takano los niños utilizan como materia en casi todos
los de su arte. Mientras Nara crea escenas de ira o de rebelión a través de los
niños, Takano comunica la inocencia de los niños al retratar chicas desnudas.
En los Países Bajos
Mientras que en los Países Bajos no había movimiento Pop Art formal, hubo un
grupo de artistas que pasó un tiempo en Nueva York durante los primeros años de
Pop Art y se inspiró en el arte pop internacional. Los principales
representantes del arte pop de los holandeses son Asselbergs Gustave, Woody Van
Aamen, Daan van de Oro, Bentley Rik, Jan Cremer, Wim T. Schippers y Frenken
Jacques. Tenían en común que se opusieron a la mentalidad de la pequeña
burguesía holandesa por la creación de obras humorísticas con un tono grave.
Los ejemplos incluyen Sexo en punto de Woody van Amén y Crucifijo / Meta de
Jacques Frenken.
El arte pop y el cómic
Son multitud las obras de arte pop basadas en historietas. Román Gubern destaca con Flash (1963), Richard
Pettibone con Tricky
Cad (1959), Jess
Collins con Dick Tracy (1960), Andy Warhol con Good Morning, Darling (1964) y Roy Lichtenstein con As I Opened Fire (1964).
Con los años, algunos historietistas
serían influidos a su vez por el Pop-Art. Es el caso del belga Guy
Peellaert, autor de obras como Jodelle (1966) y Pravda la
Survireuse (1968).12
Andy Warhol
Andrew Warhola (agosto 6, 1928 hasta febrero 22, 1987), conocido como Andy
Warhol, fue un pintor, grabador y director de cine que fue una figura destacada
en el movimiento de arte visual conocido como el arte pop. Después de una
exitosa carrera como ilustrador comercial, Warhol se convirtió en mundialmente
famoso por su trabajo como pintor, cineasta de vanguardia, productor, escritor
y miembro de los círculos sociales muy diversos que incluyen la gente bohemia
de la calle, destacados intelectuales, celebridades de Hollywood y los ricos
clientes. Warhol ha sido objeto de numerosas exposiciones retrospectivas,
libros y películas y documentales. Él acuñó la expresión utilizada "15
minutos de fama." En su ciudad natal de Pittsburgh, Pensilvania, El Museo
Andy Warhol existe en la memoria de su vida y obras de arte. El precio más alto
jamás pagado por una pintura de Warhol es de $ 100 millones para un lienzo de
1963 titulado Ocho Elvis. La transacción privada se informó en un artículo de
2009 en The Economist, que se describe Warhol como el "barómetro del
mercado del arte". $ 100 millones es un precio de referencia que sólo
Jackson Pollock, Pablo Picasso, Vincent van Gogh, Pierre Auguste Renoir, Gustav
Klimt y Willem de Kooning han logrado.
Artes
visuales:
En
nuestra comunidad no tenemos acceso a este tipo de manifestaciones por lo que
se recurre al uso del libro de texto y la investigación en internet con las
visitas virtuales, para poder compartirlo en una presentación al grupo y
definir la obra a reproducir
Analizar el Arte contemporáneo entre 1960 y 1975: el pop
El centro Georges Pompidou (Renzo Piano
y Richard
Rogers, 1977) destaca por sus atrevidos colores sobre los edificios de
París.
La cara de Barcelona, Roy Lichtenstein, 1992.
arte conceptual (conceptual-art o idea-art),
que incluye o se relaciona con multitud de manifestaciones, estilos o
movimientos: Videoarte,
happening,
Fluxus, (George
Maciunas, Joseph Beuys, Nam
June Paik, John Cage, Wolf
Vostell, Charlotte Moorman), action-art, performance,
arte
povera (desarrollado en Italia), land-art, body-art, Process art.
En 1968 Lucy Lippard y John Chandler publicaron La
desmaterialización del arte (revista Art International)
donde analizaban el proceso de transformación que percibían en el arte
contemporáneo: los artistas habían intensificado la gradual desaparición
del objeto a
favor del concepto
y del arte efímero; muchos de los minimalistas
(Morris, Smithson, Andre) emprendían trabajos en los que "el arte como
idea" o la realización de obras en escenarios naturales (Land Art)
eran los nuevos campos de experimentación o vías de escape al callejón sin
salida en el que según ellos se debatían las poéticas más formalistas.
Fue a principios de los sesenta cuando se hizo patente,
tanto en el ámbito artístico estadounidense como el europeo, la cristalización
y difusión de un nuevo tipo de arte, de unos nuevos comportamientos y de una nueva manera de
entender arte y vida. Nuevos escenarios (la calle, el desierto, las costas
australianas, la montaña, es decir, cualquier lugar de la naturaleza)
reemplazaron los lugares habituales donde el arte solía exponerse. Los valores
prevalecientes en el arte a lo largo de los siglos, y que el arte moderno y las
vanguardias sólo habían reinterpretado, sin cuestionar de modo radical (la armonía, el cromatismo,
la composición, la masa, etc.) eran
repudiados en beneficio de otros (lo efímero, lo pobre, el proceso, la analogía,
etc.). Los medios
tradicionales parecían no ser ya los apropiados para ser mensajes en sí
mismos (lecturas artísticas de la semiología
y de Mac Luhan).
Entrega un cuadro sinóptico con las corrientes contemporáneas
que incluya a sus principales representantes y sus obras mas representativas.
Romero
Britto = Nuevo Cubismo + Arte Pop
Originario del Brazil Romero Britto es un
atista neo-pop, pintor, serigrafista y escultor. Combina elementos del cubismo
estereotipado, el arte pop y la pintura de graffiti en su trabajo.
Animales alegres y coloridos, artilugios geométricos y mucha energía
dominan toda la obra de Britto. Nacido en una familia humilde de Recife,
desde muy chico Britto improvisó esculturas y dibujos con los materiales que
tuvo a mano. Su inspiración viene de Picasso, Matisse
y el graffiti.Este creativo llega al público de la mano de Absolut, la prestigiosa marca de vodka, que le encargo un diseño para una de sus ediciones especiales. Lejos de renegar de su paso por el mundo publicitario, Romero Britto vio en Absolut la posibilidad de llevar su arte a mucha gente.
Después vendrían marcas como Pepsi, Apple y Volvo y su consumo sería también “moda” entre una selecta lista de famosos que incluyen desde Giorgio Armani y la familia real de Suecia hasta Gloria Estefan, Bill Clinton, Michael Jackson, Arnold Schwarzenegger, Elton John, entro otros. Asi como la trasformación de lujoso automovil, hasta darle su estilo a un crucero.
Britto actualmente vive en Miami, Florida, donde su arte se puede ver en muchas partes de la ciudad. Britto tiene dos galerías de arte en Miami, una en South Beach y en Midtown Miami.
Romero Britto nació en Recife, Brasil en 1963 y realizó a los 14 años su primera exposición pública. En su juventud visitó varios países de Europa, internándose en el arte y cultura popular. Fijó su residencia en Miami e instaló un estudio en Mayfair Shops, en Coconut Grove, Florida, donde expuso su arte en las calles. También realizó exposiciones en Steiner Gallery, en Bal Harbor, donde Berenice Steiner e Robyn Tauber comenzaron a promocionar su obra.
Luego expuso en Mayfair Shops durante 6 años y fue allí donde Michael Rous, presidente de Absolut Vodka, lo invitó a pintar para una campaña publicitaria mundial de Vodka donde trabajaron también artistas pop de renombre internacional como Andy Warhol, Keith Haring, Kenny Scharf y Ed Ruscha.
Sus anuncios publicitarios aparecieron también en importante revistas de los Estados Unidos y fueron vistos por miles de personas.
Fue convocado también por empresas de renombre como Grand Manier, Pepsi cola, Disney e IBM, entre otras firmas interesadas en la cultura popular.
A lo largo de los años Romero Britto ha dedicado su talento, su arte y sus energías a muchas causas filantrópicas colaborando con reconocidas organizaciones en varios países.
Artistas reconocidos de este movimiento fueron Tristan Tzara y Marcel Jank de Rumanía, el francés Jean Arp y los alemanes Hugo Ball, Hans Richter y Richard Huelsenbeck. Tras varios encuentros informales en distintos cafés, empezaron a darle forma a la idea de crear un cabaret internacional. La primera celebración tuvo lugar el 5 de febrero de 1916 en el Cabaret Voltaire, y consistió en un espectáculo de variedades con canciones francesas y alemanas, música rusa, música negra y exposiciones de arte. Ese mismo año se publicó un panfleto titulado Cabaret Voltaire que contenía aportaciones de Guillaume Apollinaire, Filippo Tommaso Marinetti, Pablo Picasso, Amedeo Modigliani y Vasili Kandinski; en la cubierta aparecía un dibujo de Jean Arp. En 1917 se inauguró la Galería Dadá.
La expansión del mensaje dadaísta fue intensa, amplia y tuvo repercusiones en todos los campos artísticos. En Alemania encontró adeptos entre los intelectuales y artistas que apoyaban el movimiento espartaquista. En Francia ganó las simpatías de escritores como Breton, Louis Aragon y el poeta italiano Ungaretti.
El Dadaísmo suele ser una sucesión de palabras,letras y sonidos a la que es difícil encontrarle lógica. Se distingue por la inclinación hacia lo dudoso, la muerte, lo fantasioso, y por la constante negación. Así, busca renovar la expresión mediante el empleo de materiales inusuales o manejando planos de pensamientos antes no mezclables, lo cual conlleva a una tónica general de rebeldía o destrucción. El Dadaísmo es caracterizado, también, por gestos y manifestaciones provocadoras en las que los artistas pretendían destruir todas las convenciones con respecto al arte, creando, de esta forma, un antiarte. El movimiento dadaísta es un movimiento antiartístico, antiliterario y antipoético porque cuestiona la existencia del arte, la literatura y la poesía. De hecho, por definición, cuestiona el propio Dadaísmo.
El Dadaísmo se presenta como una ideología total, como una forma de vivir y como un rechazo absoluto de toda tradición o esquema anterior. En el fondo es un antihumanismo, entendiendo por humanismo toda la tradición anterior, tanto filosófica como artística o literaria.[cita requerida] No por casualidad en una de sus primeras publicaciones había escrito como cabecera la siguiente frase de Descartes: «No quiero ni siquiera saber si antes de mí hubo otro hombre.»
El Dadaísmo se manifiesta contra la belleza eterna, contra la eternidad de los principios, contra las leyes de la lógica, contra la inmovilidad del pensamiento, contra la pureza de los conceptos abstractos y contra lo universal en general. Propugna, en cambio, la desenfrenada libertad del individuo, la espontaneidad, lo inmediato, actual y aleatorio, la crónica contra la intemporalidad, la contradicción, el "no" donde los demás dicen "sí" y el "sí" donde los demás dicen "no"; defiende el caos contra el orden y la imperfección contra la perfección. Por tanto, en su rigor negativo, también está contra el modernismo, y las demás vanguardias: el expresionismo, el cubismo, el futurismo y el abstraccionismo, acusándolos, en última instancia, de ser sucedáneos de cuanto ha sido destruido o está a punto de serlo. La estética dadaísta niega la razón, el sentido, la construcción del consciente. Sus formas expresivas son el gesto, el escándalo, la provocación. Para el Dadaísmo, la poesía está en la acción y las fronteras entre arte y vida deben ser abolidas.
El aporte permanente del Dadaísmo al arte moderno es el cuestionamiento continuo de qué es el arte o qué es la poesía; la conciencia de que todo es una convención que puede ser cuestionada y que, por tanto, no hay reglas fijas y eternas que legitimen de manera histórica lo artístico. Gran parte de lo que el arte actual tiene de provocación (como la mezcla de géneros y materias propia del collage) viene del Dadaísmo.
Con el fin de expresar el rechazo de todos los valores sociales y estéticos del momento, y todo tipo de codificación, los dadaístas recurrían con frecuencia a la utilización de métodos artísticos y literarios deliberadamente incomprensibles, que se apoyaban en lo absurdo e irracional. Sus representaciones teatrales y sus manifiestos buscaban impactar o dejar perplejo al público con el objetivo de que éste reconsiderara los valores estéticos establecidos. Para ello utilizaban nuevos materiales, como los de desecho encontrados en la calle, y nuevos métodos, como la inclusión del azar para determinar los elementos de las obras. El pintor y escritor alemán Kurt Schwitters destacó por sus collages realizados con papel usado y otros materiales similares. El artista francés Marcel Duchamp expuso como obras de arte productos comerciales corrientes —un secador de botellas y un urinario— a los que denominó ready-mades.
En poesía el Dadaísmo abre el campo para la llegada del surrealismo y ayuda a crear un lenguaje poético libre y sin límites. Para entender qué es la estética dadaísta en el mundo de la poesía nada mejor que recoger los consejos que Tzara propone para hacer un poema dadaísta. El texto fue publicado en la recopilación Siete manifiestos dadá, «Dadá manifiesto sobre el amor débil y el amor amargo», VIII (1924).
El Dadaísmo dejó como legado las revistas y el manifiesto, que son la mejor prueba de sus propuestas. Pero, por definición, no existe una obra dadá. Lo propio del dadaísmo eran las veladas dadá realizadas en cabarets o galerías de arte donde se mezclaban fotomontajes con frases aisladas, palabras, pancartas, recitales espontáneos y un ceremonial continuo de provocación.
Aunque los dadaístas utilizaron técnicas revolucionarias, sus ideas contra las normas se basaban en una profunda creencia, derivada de la tradición romántica, en la bondad intrínseca de la humanidad cuando no ha sido corrompida por la sociedad.
Origen del nombre «dadá»
Aunque la discusión sobre el origen y el significado de la palabra dadá
son amplios, no hay un conocimiento legítimo sobre lo que significa.4
Las explicaciones de los mismos dadaístas varían tanto que es imposible señalar
una y llamarla correcta.1
Hans Arp,
miembro del grupo en 1921, declara lo siguiente en una revista del movimiento:Declaro que Tristan Tzara encontró la palabra «dadá» el 8 de febrero de 1916 a las seis de la tarde. [...] Estoy convencido de que esta palabra no tiene ninguna importancia y que solo los imbéciles pueden interesarse por los datos. Lo que a nosotros nos interesaba es el espíritu dadaísta, y todos nosotros éramos dadaístas antes de la existencia del Dadaísmo.
Se dice[cita requerida] que Tristan Tzara tomó un diccionario, lo puso encima de su escritorio y queriendo buscar una palabra abrió el diccionario en una página y buscó la palabra más rara y desconocida, y encontró dadà, que significa ‘caballo de madera’ en francés.
El mismo Tzara ofreció diversas explicaciones sobre la palabra, todas apuntando al sinsentido de la misma y, no obstante, confusas. Entre éstas encontramos, en el Manifiesto dadaísta de 1918, lo siguiente:
Dadá no significa nada. Si alguien lo considera inútil, si alguien no quiere perder su tiempo con una palabra que no significa nada [...] Por los periódicos sabemos que los negros kru llaman dadá al rabo de la vaca sagrada. El cubo y la madre en cierta comarca de Italia reciben el nombre de dadá. Un caballo de madera en francés, la nodriza, la doble afirmación en ruso y en rumano: dadá.
Todo apunta que los dadaístas querían mostrarle a su público que la palabra dadá, el nombre de su movimiento, era poco importante; lo que importaba era el arte, la creación que de su agrupación surgiera.4
El Dadaísmo en Nueva York (1915-1920)
Duchamp,
Picabia, Jean Crotti, como europeos
refugiados, junto con los estadounidenses Man Ray, Morton Schamberg y otros dan
vida al Dadaísmo neoyorquino.Duchamp llegó de París a Nueva York con un regalo de los franceses para los estadounidenses(particularmente para el coleccionista Walter Arensberg) que consistía en una bola de cristal con aire de París. Era el comienzo de los ready-mades (una rueda de bicicleta montada sobre un taburete, un botellero, un orinal, etc.), objetos sacados de la realidad y puestos en la esfera del arte por la simple acción y voluntad del artista. El deleite estético estaba fuera de sus intenciones y la elección de los objetos:
Estos refugiados se integraron con las corrientes vanguardistas que desde comienzos del siglo se estaban gestando en Harlem, Greenwich Village y Chinatown. Aunque Nueva York no era Zúrich, ni existía ese clima de refugiados políticos de la ciudad suiza, el espíritu iconoclasta. La mayoría de artistas dadaístas tenían un pensamiento nihilista.
En 1913 tuvo lugar en Nueva York la Exposición Internacional de Arte Moderno, más conocida como el Armory Show. Allí, el Desnudo descendiendo una escalera de Marcel Duchamp causó una auténtica conmoción y fue calificada de obra maestra por Breton. Duchamp se convirtió en la bestia negra del arte moderno. Marcel Duchamp ha pasado a la historia como uno de los artistas más enigmáticos e inteligentes.
La obra más importante de Duchamp es La casada desnudada por sus solteros. Ya conocida en como el gran vidrio. En esta obra, entre otras cosas, Duchamp utiliza técnicas en las que pone de manifiesto su preocupación por la corrección matemática en el uso de las formas. La pieza está precedida en su proceso de realización por multitud de dibujos en los que calculó todos los detalles con precisión matemática, como si se tratara de una máquina. También utiliza el azar al admitir como parte de la pieza las roturas que ésta sufrió en 1923 al ser trasladada a una exposición en Brooklyn. Duchamp dijo que aquello no alteraba la pieza, sino que era entonces cuando la daba por acabada.
Man Ray desarrolló el Dadaísmo en pintura, fotografía y en la fabricación de objetos antiarte. Hans Richter lo define como un inventor pesimista, transformando objetos que le rodeaban en objetos inútiles, creando obras con subtítulos como: "objeto para ser destruido", o "haciendo fotografías sin cámara".
En marzo de 1915 nace la revista 391 por Picabia y Stieglitz. El nombre de la revista lo habían tomado del número de la casa ocupada por una galería de arte en la Quinta Avenida. La revista pone sobre la mesa las ideas del antiarte: una absoluta falta de respeto por todos los valores, liberación de todos los convencionalismos sociales y morales y destrucción de todo aquello que se conoce como arte. Para Duchamp y Picabia el arte está muerto; el Dadaísmo quería la desintegración de la realidad y los ready-mades no son arte, sino antiarte.
El Dadaísmo en Nueva York tendrá un importante apoyo del fotógrafo Alfred Stieglitz, su galería 291 y su revista Camera Work. Para Stieglitz y el grupo de jóvenes fotógrafos que aglutinó bajo el movimiento conocido como Photo Secession, la fotografía podía ser también vista y hecha como arte, y no simplemente como un medio de reproducir la realidad. Así, Stieglitz se convirtió en uno de los precursores de la fotografía moderna.
El Dadaísmo en Alemania
Es en Alemania
donde el Dadaísmo adquiere un cariz más marcadamente político. Ideológicamente,
las posturas de los artistas dadaístas eran comunistas
y, en algunos casos, anarquistas. Tras la guerra, Alemania entra en una situación
crítica. Tras la revolución bolchevique, la Liga Espartaquista alemana ―la izquierda
socialista― ensaya también la revolución en Alemania. En toda esa
agitación social un grupo de artistas van a incorporarse a las tesis
izquierdistas: será el Movimiento dadaísta.Procedente del grupo de Zúrich, Richard Hülsenbeck, lleva a Berlín el espíritu dadaísta, pero mucho más radical contra las anteriores escuelas vanguardistas como el futurismo o el cubismo. En 1918, en el Salón de la Nueva secesión, Hülsenbeck da el primer discurso dadaísta en Alemania, solidarizándose en primer lugar con los dadaístas de Zúrich para después atacar violentamente al cubismo, al expresionismo y al futurismo. Poco después elaboró el primer manifiesto dadaísta en Alemania. Hülsenbeck y el poeta Raoul Hausmann promovieron declaraciones y manifiestos a partir del Dadá Club.
Al club Dadá que se unieron Kurt Schwitters, Hannah Höch y Herzfeld. La constitución de la República de Weimar en 1919 marca el fin de los proyectos políticos dadaístas y su recolocación dentro de un marco estrictamente artístico.
El Dadaísmo berlinés pasará a la historia por la incorporación de las nuevas técnicas artísticas de difusión de ideas entre las masas, principalmente el fotomontaje. Los dadaístas utilizaron la técnica del fotomontaje y del collage para plasmar la realidad que les circundaba, utilizando material visual sacado de los medios de comunicación
Rechazaba la estética tradicional e intentó ensalzar la vida contemporánea, que basándose en sus dos temas dominantes: la máquina y el movimiento. Se recurría, de este modo, a cualquier medio expresivo (artes plásticas, arquitectura, urbanismo, publicidad, moda, cine, música, poesía) capaz de crear un verdadero arte de acción, con el propósito de rejuvenecer y construir un nuevo orden en el mundo.
El poeta italiano Filippo Tommaso Marinetti recopiló y publicó los principios del futurismo en el manifiesto de 1909. Al año siguiente los artistas italianos Giacomo Balla, Umberto Boccioni, Carlo Carrà, Luigi Russolo y Gino Severini firmaron el Manifiesto de los pintores futuristas.
El futurismo procede directamente del cubismo,1 incluso los primeros cuadros, son de pleno derecho, cubistas, pero evolucionan rápidamente hacia una estética diferenciada, debido a su obsesión por representar la velocidad. Es un movimiento, fundamentalmente, italiano.
El futurismo es el primer movimiento artístico que se organiza como tal, se reconoce y se define en 1909 a través del Manifiesto futurista, que publica el poeta Filippo Tommaso Marinetti. Se busca el escándalo, se admira la velocidad y la tecnología, las señas de identidad del mundo moderno y pretende romper con el pasado. Nada del pasado merece la pena ser conservado. Condenan a los museos, a los que considera como cementerios. Pretenden, y valoran, la originalidad por encima de todo.
«Los objetos en movimiento se multiplican y se distorsionan como vibraciones a través del espacio.»
Fragmento del Manifiesto
futurista2
Sus obras se caracterizan por el color y las formas geométricas, y la
representación del movimiento y la velocidad, para ello representan los objetos
sucesivamente, pintándolos en varias posiciones, o emborronándolos, un código
que se ha popularizado en los cómic y los dibujos animados. Tienden a utilizar
colores puros. El futurismo llegará a la abstracción a través del rayonismo.
Características
Entre las características que nos pueden permitir clasificar el movimiento
podemos destacar las siguientes:1- Antiacademicismo total.
- Deuda con el cubismo,
expuesto ya en el apartado de Historia.
- Interés por el dinamismo.
Los futuristas italianos
Umberto Boccioni (1882-1916) que es, además, el
teórico del movimiento. Intenta representar los estados anímicos y el
movimiento. Entre sus obras destacan: Dinamismo de un ciclista, Dinamismo de
una cabeza de hombre, Dinamismo de una cabeza de mujer, La ciudad que crece,
Estados del alma: los que se van.Carlo Carrá (1881-1966) quedará fascinado por la tecnología y los espectáculos nocturnos. Entre sus obras destacan: Penélope, Ídolo hermafrodita,Lo que me dijo el tranvía.
Luigi Russolo (1885-1947) fue el que más se acercó a la abstracción. Entre sus obras destacan: Perfume, La música, Recuerdos de una noche.
Giacomo Balla (1871-1957) es el más fiel representante del futurismo. Investigó los problemas de la luz y el color. Los ritmos del arco, Dinamismo de un perro con correa, Niña corriendo en un balcón, Vuelo de golondrinas, Lámpara eléctrica.
Otros futuristas italianos fueron Gino Severini: Autorretrato, La bailarina obsesionante, Norte-Sur, Bailarina azul; Giuseppe Cominetti: Amantes en el agua; y Enrico Prampolini: Composición.
Escultura futurista
En las esculturas futuristas también se intenta representar el movimiento.
Para ello los planos se desarrollan en el espacio. Los pintores futuristas son,
generalmente, también escultores. Destacan Umberto
Boccioni, quien más cultivó la escultura.El futurismo se caracterizó por el intento de captar la sensación de movimiento. Para ello superpuso acciones consecutivas, una especie de fotografía estroboscópica o una serie de fotografías tomadas a gran velocidad e impresas en un solo plano. Ejemplos destacados son el Jeroglífico dinámico de Bal Tabarin (1912, Museo de Arte Moderno, Nueva York) y el Tren suburbano (1915, Colección Richard S. Zeisler, Nueva York), ambos de Gino Severini.
Fotografía futurista
El violonchelista.
En el campo de la fotografía destacaron los hermanos Bragaglia y sus imágenes movidas, que
ofrecen tiempos sucesivos y trayectoria de los gestos, como en Carpintero
serrando o en Joven meciéndose.En 1914 se presentaron también los primeros dibujos sobre una ciudad moderna de Antonio Sant'Elia y Mario Chiattone. Sant'Elia presentó ese mismo año su Manifiesto de la arquitectura futurista, un proyecto utópico que cristalizó en las imágenes de la Ciudad Nueva: la nueva medida ya no era el edificio, sino la estructura urbana, y apostaba, además, por las nuevas tipologías, como estaciones de trenes y aeroplanos, centrales eléctricas, casas escalonadas con ascensores… Se trataba de un nuevo mundo vertical y mecánico, conectado a través de redes de ascensores de hierro y cristal.
Aunque el futurismo tuvo una corta existencia, aproximadamente hasta 1944 -acabado con la muerte de Marinetti- su influencia se aprecia en las obras de autores canónicos como Marcel Duchamp, Fernand Léger y Robert Delaunay en París, así como en el definitivo constructivismo ruso.
En 1915 algunos de los representantes del futurismo, como Marinetti y Sant'Elia, se enrolaron en un batallón de voluntarios, de acuerdo con el punto nueve de su decálogo fundacional, donde se ensalzaba la guerra "como la única higiene del mundo". Algunos de ellos murieron, como Sant'Elia, y los demás radicalizaron sus posiciones, como la conocida conversión al fascismo en las elecciones de 1919.
Estética
Marinetti concibió esta nueva estética, inspirado en la patafísica
de Alfred
Jarry, en Remy de Gourmont y en procedimientos estilísticos,
que este movimiento literario, no asumió, respecto de ninguna tradición formal,
ni cultural previa. El futurismo fue llamado así por su intención de romper
absolutamente con el arte del pasado (el llamado pasadismo), y por
considerar que los museos, en especial en Italia, eran sitios equivalentes a
los cementerios, donde la tradición artística común lo impregnaba todo.Según Marinetti, había que hacer tabla rasa del pasado y crear un arte nuevo, desde cero, acorde con la mentalidad moderna y las nuevas realidades, tomando como modelo a las máquinas y sus virtudes: la fuerza, la rapidez, la velocidad, la energía, el movimiento, la deshumanización.
En la literatura, el futurismo abjura completamente del pasado y alienta a no respetar la métrica. Asimismo, intenta sustituir los nexos por notaciones algebraicas y buscar un léxico radicalmente hecho de tecnicismos y barbarismos, plagado de infinitivos, exclamaciones e interjecciones que denotan energía y libertad.
El llamado teatro sintético del futurismo es el espacio en el cual las acciones ocurren a una velocidad vertiginosa, con tramas de no más de diez minutos, y donde se ocultan las presencias humanas, y sólo se ven los pies de los actores, cuyas figuras se adivinan por metonimia.
La estética futurista pregona una ética, de raíz fundamentalmente machista, misógina y provocadora. Entre sus postulados se dignifica la guerra como una fórmula para el sanamiento de un mundo anacrónico y decrépito, y proscribe la argumentación sentimental o anecdótica.
Con el correr de los años, Marinetti fue politizando el movimiento, hasta coincidir con las tesis del fascismo, en cuyo partido ingresó en 1919.
El futurismo fue un movimiento fundamentalmente italiano y de carácter literario (Marinetti), aunque tuvo expresiones importantes en la plástica (el pintor argentino Emilio Pettoruti y los pintores italianos Gino Severini, Carlo Carrà, Giacomo Balla o el escultor Umberto Boccioni). También tuvo adherencias en otras manifestaciones artísticas, en arquitectura (Antonio Sant'Elia) y en la música (el ruidismo del compositor Luigi Russolo, antecedente directo de la llamada música concreta).
El futurismo en otros países
El futurismo tuvo sus más notables seguidores en otras naciones, como Rusia donde el
fenómeno se conoce como futurismo ruso (los poetas Vladímir Maiakovski, Velimir Jlébnikov y Alekséi Kruchiónyj - éste
último creador del "lenguaje transmental",
en ruso за́умь, зау́мный языk o záum, zaúmny iazyk, en:zaum -, y
otros), en Bélgica
(el escritor Émile Verhaeren), en Portugal (Fernando
Pessoa, quien divulgó el movimiento a través de la revista Orpheu,
1915), en España
(el poeta Joan Salvat-Papasseit) y en el Río de la Plata, donde algunos poetas reflejaron
temporalmente la influencia de la corriente, por influjo de la primera visita
de Marinetti al Cono Sur, en 1926. Marcos Fingerit, Brandán Caraffa y Alberto
Hidalgo, en Buenos Aires, y Alfredo Mario Ferreiro y Juan Parra del Riego, en Montevideo.
Trascendencia del futurismo
La importancia que tuvo el futurismo, más allá de sus méritos artísticos,
consistió en crear una estética desde cero, con lo que se hizo posible una profunda
renovación de las técnicas y principios artísticos, cuyas repercusiones aún se
sienten. Fue uno de los primeros "ismos" o vanguardias artísticas, y
su valor como movimiento de ruptura allanó el camino a otras corrientes que
refrescaron el panorama artístico en los albores del siglo XX.Muchas de sus técnicas para "figurar, con medios estáticos, el movimiento real" han sido incorporadas también al lenguaje de la historieta moderna.3
Características
La intención del neoplasticismo es representar la totalidad de lo real,
expresar la unidad de la naturaleza, que nos ofrece apariencias cambiantes y
caprichosas, pero que, sin embargo, es de una regularidad absoluta. Sus
principales características son:- Búsqueda de la renovación
estética.
- Lenguaje plástico objetivo
y como consecuencia, universal.
- Exclusión de lo individual
y del objeto (limitado temporal y localmente).
- Se elimina todo lo superfluo
hasta que prevalece sólo lo elemental, en un intento de llegar a la
esencia.
- Depuración de las formas
hasta llegar a sus componentes fundamentales: líneas, planos y cubos.
- Planteamiento totalmente
racionalista.
- Estructuración a base de
una armonía de líneas y masas coloreadas rectangulares de diversa
proporción, siempre verticales, horizontales formando ángulos rectos.
- Nunca se recurre a la
simetría, aunque hay un marcado sentido del equilibrio logrado por la
compensación de las formas y los colores.
- Uso de pocos colores.
- Colores planos, de carácter
saturado o puros (primarios: amarillo, azul, rojo) y tonal o neutros
(blanco, negro y grises).
- Empleo de fondos claros.
- Pinturas: equilibradas,
ordenadas, optimistas, alegres.
- Es una orientación
artística antitrágica: arte no como expresión purgativa de sentimientos
trágicos interiores del artista, sino como metáfora visual de armonía
espiritual.
Formación
Nació en una familia calvinista. Desde 1892 hasta 1908 estudió en la Academia
Estatal de Ámsterdam, en la que su maestro fue August
Allebé.Comenzó su carrera como maestro de educación primaria, pero mientras enseñaba también practicaba la pintura. La mayor parte de su trabajo de este período naturalista o impresionista está constituida por paisajes. Estas imágenes pastorales de su Holanda nativa representan molinos de viento, campos, y ríos, inicialmente de manera impresionista al estilo de "La escuela de La Haya", que hace al autor sucesor de Jongkind, y luego en una variedad de estilos y técnicas que documenta su búsqueda por un estilo personal. Las pinturas en las que predominan los colores malva, gris suave y verde oscuro son las más representativas de su momento inicial e ilustran la influencia de varios movimientos artísticos en Mondrian, incluso el puntillismo y los colores vívidos del fovismo, en los que se vuelca en 1908 por influencia de Jan Toorop.
En la exhibición en el Hague's Gemeentemuseum varias pinturas son de este período, incluyendo los trabajos postimpresionistas como "El Molino Rojo" y "Árboles a la Luz de la luna". Otra pintura, Avond ("Tarde") (1908), que presenta una escena de parvas (o niaras) en un campo durante el crepúsculo es un cuadro que ya deja intuir los desarrollos futuros de este pintor; en él usa una paleta que consiste casi exclusivamente en rojo, amarillo y azul. Aunque en ningún sentido es abstracto, "Avond" es el más temprano de los trabajos de Mondrian que da énfasis a los colores primarios.
Las pinturas más tempranas que muestran un vislumbre de la abstracción son una serie de cuadros de 1905 a 1907, en los cuales pinta escenas oscuras de árboles indistintos y casas con reflejos en agua que los hace casi aparecer como manchas de tinta de un proyectivo test de Rorschach. Sin embargo, aunque el resultado final deja ver el énfasis en las formas sobre el contenido, estas pinturas todavía se arraigan firmemente en la naturaleza, y es sólo por el conocimiento de estos logros de Mondrian que se llegan a reconocer las raíces de su abstracción futura.
Mondrian y su trabajo posterior fueron influenciados profundamente por los "Moderne Kunstkring" 1911 en la exhibición de cubismo en Ámsterdam. Su búsqueda por la simplificación se muestra en dos versiones del cuadro Stilleven met gemberpot (Naturaleza muerta con una olla de jengibre). La versión cubista, de 1911, y la abstracta de 1912, en la que el tema es reducido a una forma redonda con triángulos y rectángulos.
Entre 1911 y 1914 estuvo en París, donde recibió la influencia cubista. Volvió a Ámsterdam. Allí conoció, en 1915, a Van Doesburg, con el que fundó el grupo De Stijl en 1917. En torno a esta revista De Stijl (El estilo), publicada entre 1917 y 1926, se constituyó un grupo de artistas que recibieron la directa influencia de la "revolución cubista", entre los cuales Mondrian es el pintor más importante.
En 1919 regresó a París. En 1921 redujo su paleta a los colores primarios, blanco y negro. En 1930 se unió al grupo "Cercle et carré" y en 1931 a Abstraction-Création. En 1930 la estilista Lola Prusac crea para la Casa HERMÈS en París una línea completa de bolsos y equipajes directamente inspirados en las obras de Mondrian con recortes rojos, amarillos y azules.1 En 1938 se marchó a Londres y en 1940 a Estados Unidos.
En la década de los años 1940, sus trabajos se volvieron más vívidos en ritmo, menos estructurados al yuxtaponer áreas de colores brillantes y cálidos.
La teoría de Mondrian ha sido relevante en el siglo XX trascendiendo la pintura e influyendo en las demás expresiones estéticas: diseño, decoración, arquitectura, y escultura.
Filosofía estética de Mondrian
Composición en rojo, amarillo, azul y negro, 1926.
El arte de Mondrian siempre estaba íntimamente relacionado a sus estudios
espirituales y filosóficos. A partir de 1908, se interesó en el movimiento
teosófico
fundado por Helena Petrovna Blavatsky a fines del
siglo XIX. Blavatsky creyó que era posible lograr un conocimiento de la
naturaleza más profundo que sólo el proporcionado por los medios empíricos, y
mucho del trabajo de Mondrian del resto de su vida estuvo inspirado por la
búsqueda de ese supuesto conocimiento esencial. Una frase suya lo explica:
«solo cuando estemos en lo real absoluto el arte no será ya más necesario».En efecto: al dedicarse a la abstracción geométrica, Mondrian, busca encontrar la estructura básica del universo, la supuesta “retícula cósmica” que él intenta representar con el no-color blanco (presencia de todos los colores) atravesado por una trama de líneas de no-color negro (ausencia de todos los colores) y, en tal trama, planos geométricos (frecuentemente rectangulares) de los ya mencionados colores primarios, considerados por Mondrian como los colores elementales del universo. De este modo, repudiando las características sensoriales de la textura y la superficie, eliminando las curvas, y en general todo lo formal. Expresó que el arte no debe ser figurativo, no debe implicarse en la reproducción de objetos aparentemente reales, sino que el arte debe ser una especie de indagación de lo absoluto subyacente tras toda la realidad fenoménica. Como anécdota de sus ligeras excentricidades cabe mencionar que prohibió el color verde en su casa.
Busca, en suma, un "arte puro", despojado de lo particular, y dice que «El propósito no es crear otras formas y colores particulares con todas sus limitaciones, sino trabajar tendiendo a abolirlos en interés de una unidad más grande.» Su radicalismo es tal que, cuando Van Doesburg buscó variaciones a sus estructuras formales a partir de 1924, inclinando los rectángulos, Mondrian abandonó De Stijl.
Valoración
Victory Boogie Woogie, 1942-1944, Gemeentemuseum, La Haya.
Mondrian fue un contribuyente importante en el movimiento y grupo de arte De Stijl,
que fundó Theo Van Doesburg. A pesar de ser muy conocido, o
más bien precisamente por ello, a menudo ha sido parodiado y trivializado. Las
pinturas de Mondrian exhiben una complejidad que desmiente su simplicidad
aparente. Es principalmente conocido por sus pinturas no figurativas, a las que
llamó composiciones, que consisten en formas rectangulares en rojo, amarillo, azul y negro,
separadas por gruesas líneas rectas negras; son el resultado de una evolución
estilística que se cumplió en el curso de casi 30 años y aún continuó más allá,
hasta el final de su vida.Surrealismo
La primera fecha histórica del movimiento es 1916, año en que André Breton, precursor, líder y gran pensador del movimiento, descubre las teorías de Sigmund Freud y Alfred Jarry, además de conocer a Jacques Vaché y a Guillaume Apollinaire. Durante los siguientes años se da un confuso encuentro con el dadaísmo, movimiento artístico precedido por Tristan Tzara, en el cual se decantan las ideas de ambos movimientos. Estos, uno inclinado hacia la destrucción nihilista (dadá) y el otro a la construcción romántica (surrealismo) se sirvieron como catalizadores entre ellos durante su desarrollo.
En el año 1924 Breton escribe el primer Manifiesto Surrealista y en este incluye lo siguiente:
Indica muy mala fe discutirnos el derecho a emplear la palabra surrealismo, en el sentido particular que nosotros le damos, ya que nadie puede dudar de que esta palabra no tuvo fortuna, antes de que nosotros nos sirviéramos de ella. Voy a definirla de una vez para siempre:
Surrealismo: "sustantivo, masculino. Automatismo psíquico puro, por cuyo medio se intenta expresar, verbalmente, por escrito o de cualquier otro modo, el funcionamiento real del pensamiento. Es un dictado del pensamiento, sin la intervención reguladora de la razón, ajeno a toda preocupación estética o moral."
Filosofía: "El surrealismo se basa en la creencia de una realidad superior de ciertas formas de asociación desdeñadas hasta la aparición del mismo, y en el libre ejercicio del pensamiento. Tiende a destruir definitivamente todos los restantes mecanismos psíquicos, y a sustituirlos por la resolución de los principales problemas de la vida.
Tal fue la definición del término dada por los propios Breton y Soupault en el primer Manifiesto Surrealista fechado en 1924. Surgió por tanto como un movimiento poético, en el que pintura y escultura se conciben como consecuencias plásticas de la poesía.
En El surrealismo y la pintura, de 1928, Breton expone la psicología surrealista: el inconsciente es la región del intelecto donde el ser humano no objetiva la realidad sino que forma un todo con ella. El arte, en esa esfera, no es representación sino comunicación vital directa del individuo con el todo. Esa conexión se expresa de forma privilegiada en las casualidades significativas (azar objetivo), en las que el deseo del individuo y el devenir ajeno a él convergen imprevisiblemente, y en el sueño, donde los elementos más dispares se revelan unidos por relaciones secretas. El surrealismo propone trasladar esas imágenes al mundo del arte por medio de una asociación mental libre, sin la intromisión censora de la conciencia. De ahí que elija como método el automatismo, recogiendo en buena medida el testigo de las prácticas mediúmnicas espiritistas, aunque cambiando radicalmente su interpretación: lo que habla a través del médium no son los espíritus, sino el inconsciente.
Técnicas surrealistas
El surrealismo tomó del dadaísmo algunas técnicas de fotografía y
cinematografía así como la fabricación de objetos. Extendieron el principio del
collage (el "objeto encontrado") al ensamblaje de objetos
incongruentes, como en los poemas visibles de Max Ernst. Este último inventó el
frottage (dibujos compuestos por el roce de superficies rugosas contra
el papel o el lienzo) y lo aplicó en grandes obras como Historia Natural,
pintada en París
en 1926.
La pintura surrealista
Masson adoptó enseguida las técnicas del automatismo, hacia 1923-1924, poco después
de conocer a Breton. Hacia 1929 las abandonó para volver a un estilo cubista. Por su
parte, Dalí utilizaba más la fijación de imágenes tomadas de
los sueños, según Breton, «...abusando de ellas y poniendo en peligro la credibilidad
del surrealismo...»; inventó lo que él mismo llamó método paranoico-crítico, una mezcla entre
la técnica de observación de Leonardo
da Vinci, por medio de la cual, observando una pared se podía ver cómo
surgían formas y técnicas de frottage;
fruto de esta técnica son las obras en las que se ven dos imágenes en una sola
configuración. Óscar Domínguez inventó la decalcomanía
(aplicar gouache
negro sobre un papel el cual se coloca encima de otra hoja sobre la que se
ejerce una ligera presión, luego se despegan antes de que se sequen). Además de
las técnicas ya mencionadas de la decalcomanía y el frottage, los
surrealistas desarrollaron otros procedimientos que incluyen igualmente el
azar: el raspado,
el fumage y la distribución de arena sobre el
lienzo encolado.2Miró fue para Breton el más surrealista de todos, por su automatismo psíquico puro. Su surrealismo se desenvuelve entre las primeras obras donde explora sus sueños y fantasías infantiles (El Campo labrado), las obras donde el automatismo es predominante (Nacimiento del mundo) y las obras en que desarrolla su lenguaje de signos y formas biomorfas (Personaje lanzando una piedra). Arp combina las técnicas de automatismo y las oníricas en la misma obra desarrollando una iconografía de formas orgánicas que se ha dado en llamar escultura biomórfica, en la que se trata de representar lo orgánico como principio formativo de la realidad.
René Magritte dotó al surrealismo de una carga conceptual basada en el juego de imágenes ambiguas y su significado denotado a través de palabras poniendo en cuestión la relación entre un objeto pintado y el real. Paul Delvaux carga a sus obras de un espeso erotismo basado en su carácter de extrañamiento en los espacios de Giorgio de Chirico.
El surrealismo penetró la actividad de muchos artistas europeos y americanos en distintas épocas. Pablo Picasso se alió con el movimiento surrealista en 1925; Breton declaraba este acercamiento de Picasso calificándolo de «...surrealista dentro del cubismo...». Se consideran surrealistas las obras del período Dinard (1928-1930), en que Picasso combina lo monstruoso y lo sublime en la composición de figuras medio máquinas medio monstruos de aspecto gigantesco y a veces terrorífico. Esta monumentalidad surrealista de Picasso puede ponerse en paralelo con la de Henry Moore y en la poesía y el teatro con la de Fernando Arrabal.
Otros movimientos pictóricos nacieron del surrealismo o lo prefiguran, como por ejemplo el Art brut.
Apogeo y decadencia del surrealismo
En 1938 tuvo
lugar en París la Exposición Internacional del Surrealismo que marcó el apogeo
de este movimiento antes de la guerra. Participaron entre otros, Marcel
Duchamp, Arp, Dalí,
Ernst, Masson, Man Ray, Óscar Domínguez y Meret
Oppenheim. La exposición ofreció al público sobre todo una excelente
muestra de lo que el surrealismo había producido en la fabricación de objetos.Con el estallido de la Segunda Guerra Mundial, los surrealistas se dispersan, algunos de ellos (Breton, Ernst, Masson) abandonan París y se trasladan a los Estados Unidos, donde siembran el germen para los futuros movimientos americanos de posguerra (expresionismo abstracto y Arte Pop).
El surrealismo en España y Latinoamérica
El surrealismo en la pintura española y
latinoamericana
En España el surrealismo aparece en torno a los años
veinte no en su vertiente puramente vanguardista sino mezclado con acentos
simbolistas y de la pintura popular. Además de Joan Miró
y Salvador Dalí, el surrealismo español lo componen Maruja
Mallo, Gregorio Prieto, José Moreno Villa, Benjamín Palencia y José
Caballero, además de los neocubistas que se pasan al surrealismo (Alberto Sánchez y Ángel
Ferrant).Hubo un importante núcleo surrealista en las Islas Canarias, agrupado en torno a la Gaceta de Arte de Eduardo Westerdahl, del que un grupo de poetas invitaron a André Bretón a venir en 1935; allí compuso este el poema Le chateau etoilé y otras obras. Los máximos representantes de la pintura surrealista en el archipiélago fueron Óscar Domínguez, Juan Ismael y el propio Westerdahl.
En Latinoamérica se consideran surrealistas, además de los ya citados Roberto Matta (Chile) y Lam, a Remedios Varo y Leonora Carrington (ambas inmigrantes europeas posteriormente nacionalizadas mexicanas).
La que es considerada como la primera exposición surrealista en Latinoamérica se llevó a cabo en Lima, Perú en 1935 por iniciativa de los poetas y pintores surrealistas peruanos César Moro y Emilio Adolfo Westphalen.3 Posteriormente en México, en enero de 1940, el mismo César Moro con André Breton y Wolfgang Paalen logran presentar en la Galería de Arte Mexicano una selección de cuarenta obras tanto de representantes del movimiento surrealista como de americanos cuyo trabajo tenía afinidad con el movimiento.[cita requerida]. Existe un debate sobre si la obra de Frida Khalo pertenece a la corriente surrealista. Breton consideraba a México la esencia del surrealismo e interpretaba sus obras como surrealistas, si bien la propia Kahlo decía claramente "Yo no pinto sueños... pinto mi realidad".4
En las artes plásticas
Al principio el surrealismo era un movimiento fundamentalmente literario, y
hasta un poco más tarde no produciría grandes resultados en las artes
plásticas. Surge un concepto fundamental, el automatismo, basado en una suerte de
dictado mágico, procedente del inconsciente, gracias al cual surgían poemas,
ensayos, etc., y que más tarde sería recogido por pintores y escultores.La primera exposición surrealista se celebró en la Galerie Pierre de París en 1925, y en ella, además de Jean Arp, Giorgio de Chirico y Max Ernst, participaron artistas como André Masson, Picasso, Man Ray, Pierre Roy, P. Klee y Joan Miró, que posteriormente se separarían del movimiento o se mantendrían unidos a él adoptando únicamente algunos de sus principios. A ellos se adhirieron Yves Tanguy, René Magritte, Salvador Dalí y Alberto Giacometti.9
La rebelión del surrealismo contra la tradición cultural burguesa y el orden moral establecido tuvo su cariz político, y un sector del surrealismo, que no consideraba suficientes los tumultos de sus manifestaciones culturales, se afilió al Partido Comunista Francés. Sin embargo, nacieron violentas discrepancias en el seno del grupo a propósito del debate sobre la relación entre arte y política; se sucedieron manifiestos contradictorios y el movimiento tendió a disgregarse. Es significativo, a este respecto, que la revista «La révolution surréaliste» pase a llamarse, desde 1930, «Le surréalisme au service de la révolution». En los años 1930, el movimiento se extendió más allá de las fronteras francesas. Se celebró en 1938 en París la Exposición Surrealista Internacional.
La segunda guerra mundial paralizó toda actividad en Europa. Ello motivó que Breton, como muchos otros artistas, marchase a los EE. UU. Allí surgió una asociación de pintores surrealistas alemanes y franceses que se reunió en torno a la revista VVV. Estos surrealistas emigrados a EE. UU. influyeron en el arte estadounidense, en particular en el desarrollo del expresionismo abstracto en los años 1940. Cuando Breton regresó a Europa en 1946 el movimiento estaba ya definitivamente deteriorado.
Entre los artistas plásticos se manifiesta una dualidad en la interpretación del surrealismo: los surrealistas abstractos, que se decantan por la aplicación del automatismo puro, como André Masson o Joan Miró, e inventan universos figurativos propios; y los surrealistas figurativos, interesados por la vía onírica, entre ellos René Magritte, Paul Delvaux, o Salvador Dalí, que se sirven de un realismo minucioso y de medios técnicos tradicionales, pero que se apartan de la pintura tradicional por la inusitada asociación de objetos y las monstruosas deformaciones, así como por la atmósfera onírica y delirante que se desprende de sus obras. Max Ernst es uno de los pocos surrealistas que se mueve entre las dos vías. La obra de Ernst ha influido particularmente en un epígono tardío del surrealismo en Alemania que es Stefan von Reiswitz.
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El movimiento como tal surgió a mediados de los años 1950 en el Reino Unido y a finales de los años 1950 en los Estados Unidos.4 con diferentes motivaciones. En Estados Unidos marcó el regreso del dibujo del tipo Hard edge (traducido como «dibujo de contornos nítidos»5 ) y del arte representacional como una respuesta de los artistas al utilizar la realidad mundana e impersonal, la ironía y la parodia para contrarrestar el simbolismo personal del expresionismo abstracto.3 6 En contraste, el origen en la Bretaña de la post-guerra, aunque también utilizaba la ironía y la parodia, era más académico y se enfocaba en la imaginería dinámica y paradójica de la cultura popular estadounidense, la cual estaba formada por un conjunto de mecanismos fuertes y manipuladores que estaban afectando los patrones de la vida, mientras mejoraban la prosperidad de la sociedad.6 El arte pop temprano de Inglaterra se puede considerar entonces como una serie de ideas alimentadas por la cultura popular estadounidense vista desde lejos, mientras que los artistas estadounidenses estaban inspirados en la experiencia de vivir dentro de dicha cultura.6
La mayoría de las obras de este estilo son consideradas incongruentes debido a que las prácticas conceptuales que generalmente son utilizadas hacen que sean de una difícil comprensión. El concepto del Arte Pop no hace tanto énfasis al arte en sí, sino a las actitudes que lo conducen.1
En el Reino Unido: el Grupo Independiente
El Grupo Independiente, fundado en Londres
en 1952,
es reconocido como el precursor del movimiento artístico pop.4
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Eran un grupo de jóvenes pintores, escultores,
arquitectos,
escritores
y críticos que desafiaban la
visión modernista de la cultura así como la perspectiva tradicional de ver las
Bellas artes. Las discusiones del grupo se centraban en la cultura popular y la
implicación de la aparición de dichos elementos de comerciales, películas, tiras
cómicas, ciencia ficción y la tecnología.
Durante la primera reunión del Grupo independiente en 1952, el
co-fundador, artista y escultor Eduardo
Paolozzi presentó una lectura utilizando una serie de collages
titulado Bunk!, el cual había ensamblado durante su estancia en París
entre 1947 y 1949.4
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El material consistía en «objetos encontrados» tales como anuncios, personajes
de tiras cómicas, portadas de revistas y material gráfico que representaba la
cultura estadounidense. Una de las imágenes utilizada en dicha presentación fue
un collage de 1947 de Paolozzi titulado I was a Rich Man's Plaything,
el cual incluye la primera vez en que se utilizó la palabra “pop!″, que
aparecía en una nube de humo que emergía de un revólver.4
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Después de dicha presentación, el grupo independiente se enfocó principalmente
en el uso de imágenes de la cultura estadounidense, principalmente aquellas que
aparecían en los medios de comunicación masivos.6El término arte pop fue acuñado finalmente por John McHale en 1954 con la finalidad de describir el movimiento. Éste fue utilizado en las discusiones del Grupo independiente durante su segunda sesión realizada en 1955 y la primera aparición de dicho término en una publicación impresa tuvo lugar en 1956, en un artículo publicado en Arc por parte de los miembros del Grupo Alison y Peter Smithson.9 sin embargo el término generalmente es acreditado al crítico y curador británico Lawrence Alloway, quien en un ensayo titulado The Arts and the Mass Media (las artes y los medios masivos) de 1958 utilizó el término «popular mass culture» (cultura popular de las masas).10
El arte pop estadounidense
Aunque el movimiento comenzó a finales de 1950, el arte pop en Estados
Unidos tuvo su mayor impulso durante la década de 1960. En ese momento, la
publicidad estadounidense había adoptado muchos elementos e inflexiones del
arte moderno y funcionaban a un nivel muy sofisticado. En consecuencia, los
artistas de América tenían que buscar más profundo para los estilos dramáticos
que se distancia del arte de los materiales bien diseñados e inteligente
comerciales. Por lo que los británicos consideraban a las imágenes de la
cultura popular americana desde una perspectiva un tanto alejadas, sus puntos
de vista se inculca a menudo con romántico, connotaciones sentimentales y
humorísticas. Por el contrario, los artistas de América siendo bombardeados a
diario con la diversidad de las imágenes producidas en masa, el trabajo que se
producen en general más audaz y agresivo. Dos pintores importantes en el
establecimiento del vocabulario del arte pop de Estados Unidos fueron Jasper
Johns y Robert Rauschenberg. Mientras que las pinturas de Rauschenberg tener
relaciones a los trabajos anteriores de Kurt Schwitters y otros dadaístas, su
preocupación con las cuestiones sociales del momento. Su método consistía en
crear arte con materiales efímeros y el uso de acontecimientos de actualidad en
la vida de todos los días de América dio a su trabajo una calidad única. El
trabajo de Johns y Rauschenberg de la década de 1950 está clasificado como
Neo-Dada, y es visualmente distinta de la clásica Arte pop norteamericano que
comenzó en la década de 1960. De igual importancia para el arte pop es Roy
Lichtenstein. Su trabajo probablemente define la premisa básica del arte pop
mejor que cualquier otro a través de la parodia. Selección de la tira cómica
antigua como la materia, Lichtenstein produce un duro filo, la composición
precisa que los documentos, mientras que las parodias de una manera suave. Las
pinturas de Lichtenstein, como las de Andy Warhol, Tom Wesselmann y otros,
comparten un vínculo directo a la imagen habitual de la cultura popular
norteamericana, sino también tratar el tema de una manera impersonal,
ilustrando claramente la idealización de la producción en masa. Andy Warhol es
probablemente la figura más famosa del arte pop. Warhol intentó tomar Pop más
allá de un estilo artístico a un estilo de vida y su obra a menudo se muestra
la falta de afectación humana que prescinde de la ironía y la parodia de muchos
de sus compañeros.
En España
En España, el estudio del arte pop se asocia con la "nueva
figuración", que surgió de las raíces de la crisis del informalismo.
Eduardo Arroyo se podría decir que encaja dentro de la tendencia del arte pop,
en razón de su interés por el medio ambiente, su crítica de nuestra cultura,
los medios de comunicación que incorpora los iconos de los medios de
comunicación de masas y la historia de la pintura, y su desprecio por casi
todos los establecidos artística estilos. Sin embargo, el español que podría
ser considerado como el más auténtico artista pop fue Alfredo Alcaín, por el
uso que hace de las imágenes populares y espacios vacíos en sus composiciones.
También en la categoría de arte pop español es la "Crónica del
Equipo" (El Equipo Crónica), que existió en Valencia entre 1964 y 1981,
formado por los artistas Manolo Valdés y Rafael Solbes. Su movimiento puede ser
caracterizado como Pop por su uso de los cómics y las imágenes de la publicidad
y la simplificación de las imágenes y composiciones fotográficas. El cineasta
Pedro Almodóvar salió de Madrid "La Movida" subcultura (1970)
haciendo de bajo presupuesto super 8 películas de arte pop y fue llamado
posteriormente el Andy Warhol de España por los medios de comunicación en el
momento. En el libro "Almodóvar en Almodóvar", es citado diciendo que
la película de 1950 "Funny Face " es una inspiración central de su obra.
Una marca pop en el cine de Almodóvar es que siempre produce un anuncio falso
que se insertará en una escena.
En Italia
En Italia, el arte pop fue conocido desde 1964 y tomó diferentes formas,
como la "Scuola di Piazza del Popolo" en Roma, con artistas como Mario Schifano,
Franco Angeli,
Giosetta Fioroni,
Tano Festa y
también algunas piezas de arte de Piero
Manzoni y Mimmo Rotella.El pop art italiano se gestó con la cultura de los años 1950, con los trabajos de dos artistas en particular: Enrico Baj y Mimmo Rotella, considerados los líderes del movimiento. De hecho, fue entre los años 1958 y '59 que Baj y Rotella abandonaron sus anteriores carreras —las cuales podrían ser definidas en general como un género no representativo a pesar de pasar por el post-Dadaismo— para catapultarse hacia el mundo de las imágenes y reflejos que estaban brotando a su alrededor. Los pósters de Mimmo Rotella consiguieron un gusto más figurativo, a menudo explícitamente e intencionalmente refiriéndose a los grandes íconos de la época. Las composiciones de Enrico Baj estuvieron inmersas en el kitsch contemporáneo, lo que terminaría siendo una mina de oro de imágenes y un estímulo para toda una generación de artistas.
La novedad se apoya en el nuevo panorama visual, tanto dentro de cuatro paredes como fuera: automóviles, señales de tránsito, televisión, todo el "nuevo mundo". Todo puede pertenecer al mundo del arte, el cual es nuevo en sí mismo. Desde ese punto de vista, el arte pop italiano toma el mismo camino ideológico que la escena internacional; lo único que cambia es la iconografía y en algunos casos, la presencia de una actitud más crítica. Incluso en este caso, los prototipos pueden ser hallados originialmente en Rotella y Baj, ambos lejos de ser neutrales en su relación con la sociedad. Sin embargo este no es un elemento exclusivo; hay una larga lista de artistas, desde Gianni Ruffi hasta Roberto Barni, desde Silvio Pasotti hasta Umberto Bignardi y Claudio Cintoli que tratan la realidad como un juguete, como una vidriera de donde sacar material con desencanto y frivolidad, cuestionando los modelos lingüísticos tradicionales con un renovado espíritu de diversión al estilo Aldo Palazzeschi.11
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